MULHER EM CENA

por Tina Andrighetti



Levar à cena, pela terceiro ano, mulheres que se desdobram em personagens, em funções diversas, em múltiplos olhares, buscando em cada ato uma obra, foi uma realização importantíssima no plano pessoal e no contexto artístico-cultural de Caxias do Sul e do nosso estado, Rio Grande do Sul.
A 3ª Mostra de Teatro Mulher em Cena, que aconteceu de 28 de março a 1º de abril, trouxe aos palcos do Teatro Pedro Parenti e do Centro de Cultura Dr Henrique Ordovás Filho, poéticas que diversamente abordaram desejos, lutas, cotidianos, ações... Cada poética a seu modo revelando as experiências, um pouco do mundo em que vivemos e daquele que queremos. Foram seis espetáculos (Anatomia da Boneca, Eva Ave Marias, Sete Ventos, Gordas, Cinta-Liga/Desliga e a demonstração da Ana, Detrás del Telón) que abriram às pessoas presentes um leque de novas possibilidades no teatro e na vida. Pra enriquecer, as participações artísticas de Elisabeth Bado e Júlio Saraiva, com a esquete O Proprietário, a Cia Na Ponta da Língua, com suas contações, o Zingado com suas canções e Roberto Ribeiro, com a queridíssima homenagem às mulheres da sua vida!
A Mostra trouxe um ganho, que foi o olhar sobre cada espetáculo, sobre cada acontecimento, o olhar sobre o momento de cada atriz, sua percepção e a forma de desvelar em cena a vida apreendida. Em meio aos participantes, mulheres e homens que se jogaram de corpo e alma e outros nem tanto -pelo seu momento, a presença da Ana Woolf, Natália Marcet e Luciana Martuchelli, madrinha da Mostra, foi fundamental não tanto pela competência, mas pela humanidade. Poucas palavras já serviram pra abrir a nós outros caminhos possíveis, elucidando um pouco mais daquilo que queremos dizer e como podemos dizer. Espetáculos de tantas linguagens, em que pousam hoje olhares mais maduros, com certeza.
Essa terceira Mostra, real e metaforicamente, nos abriu pro mundo. Ganhamos coragem pra espalhar nossa semente e nossas idéias, marcando na cidade mais um ponto de luta que se agrega a outros tantos que trabalham pra valorizar a arte, a mulher e a cidadania.
Gostei demais de ter junto a mim a Bete Souza, o Gutto Basso e o Gabriel Zeni. A proteção do Marcelo Casagrande e o perfeccionismo do Selbach Jr. Escolhidos pela confiança e pela afetividade, com a certeza de que a competência nasce também com o prazer.
Começa a se fazer verdade uma intenção nascida ainda em 2007, a de nos integrarmos às reflexões sobre a mulher, o teatro, a sociedade, em âmbito internacional, podendo inserir Caxias do Sul num universo de diálogo mundial.



Tina Andrighetti
Diretora Artística

MUJERES SINGULARES: Cristina Briante





por Sandra Califano







“Mi Paisito es un juego circular de dolores y alegrías”

Plateó nuestros cuerpos
el campo, la casa
jugamos a ser chicos
escondidos en el follaje
evitamos los rayos
indiscretos
caminamos pastos de plata
cegados en espera
de su cosecha
invocamos a la luna
en un abrazo infinito,
piadosa
dejó sentir logradas,
nuestras urgencias

Qué mejor que La Luna redonda una poesía de Paisito, su último libro, la presente. Invoco su magia para dejar caer sólo algunos datos sobre Cristina Briante. Nació en General Belgrano, provincia de Buenos Aires, es madre y abuela, fue docente, y una mujer que desde el tango, el teatro y la literatura se fue plantando en el terreno del arte.
La cautiva el sabor de la manzana y la canela juntas. Si tuviera que guardar un recuerdo, elige para llevarse un verano en Sierra de la Ventana cuando tenía 18 años. Entre los anhelos pendientes, se ilusiona con enamorarse de un hombre posible.
Hoy, Cristina amasa poesías y sueños siempre nuevos. Sus sueños la llevaron a publicar Paisito en 2010, a integrar la antología Sin fronteras editada por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, México en 2011, a ser semifinalista del concurso “Reunión de Voces”, que se hizo en Buenos Aires en ese mismo año, y a tener entre manos un libro de poesía para chicos.

¿
Cómo se fue dando tu acercamiento a la poesía?
En la escuela primaria tenía contenidos de poesía y sus géneros. Casi siempre, los libros de lectura tenían con una parte dedicada a la poesía. Tuve que memorizar autores como Lugones, Mistral, Becker, Storni, Rojas. Güiraldes, Hernández, Blomberg, y Macedonio Fernández. En casa, mi mamá sabía y recitaba poesías casi como jugando. Lo mismo pasaba con las letras de los tangos.
Hice el secundario en la escuela parroquial Nuestra Señora De Fátima, de Del Viso. Como era una escuela en formación, la mayoría de los profesores eran muy jóvenes y cursaban los últimos años de sus carreras de grado. Tal vez por casualidad, se dio que los profesores de castellano, literatura, historia y filosofía tenían una fuerte inclinación por la poesía.



¿Cuáles fueron los autores que te motivaron?
Con mis amigas leíamos Sor Juana, Lorca, Machado, Alberti, Neruda, Martí, Salinas, Hölderling, Michaux. Por mi hermano llegué a Tejada Gómez, Girondo, Borges, Neruda, José Castilla, Viel Temperley y a Gelman.

¿Qué recuerdos de la infancia te acompañan en este camino?
Mi vida en el pueblo, las siestas en la quinta de mis tíos, jugando con mi hermano Miguel y mi primo. El cementerio de los pájaros y los sapos que encontrábamos muertos y a los que les hacíamos sepulturas con piedritas y ramas. Los ligustros cortados en forma de animales…
También recuerdo la separación de mis padres cuando tenía ocho años, la venida a Buenos Aires y el ingreso a un colegio de monjas, pupila. La soledad y la figura de una madre, siempre muy valiente y creativa.
Un dato curioso es que después que murió mi papá encontramos muchos textos poéticos de su autoría.


¿Cómo te afectó la figura de Miguel en tu proceso?
Fundamentalmente en la selección de la lectura. Yo no compartí su mundo para nada. Sólo fuimos juntos a algunas presentaciones o conciertos. Miguel era muy cuida y nunca me integró a sus salidas. Solía pasar por las redacciones y allí conocí a sus amigos y a algunos compañeros como Juan Gelman, Aguya, o Pichón Rivière.
Lo visitaba todos los miércoles cuando era Director del Centro Cultural Recoleta y tomábamos un café para hablar de la familia.
Miguel era un crítico implacable, durante años escribí sin compartir mis textos. Tenía la certeza que el lugar de la escritura en la familia le pertenecía. Tomé atajos diferentes. El no supo de mis poesías. Como marca me quedó el ser hipercrítica con mi escritura y el respeto por los textos.
Cuando el murió yo tenía material como para un libro y no me animaba a publicarlo. Hilda Cañeque, que lo había leído, me alentó a publicarlo. Yo trabajé durante años el tema de mi apellido ya que me parecía que publicar después de su muerte podía ser visto como un oportunismo. Tardé quince años en tomar la decisión y después de ganar varios concursos me sentí habilitada.

¿Cuál es el aporte de la poesía a los tiempos que vivimos?
Para mi la poesía es un camino de ruptura, de molestia, de inquietud. Es una manera
bella de conectarse aún con lo siniestro. Es un puente de ida y vuelta entre el goce y el dolor.

¿Cómo nació Paisito?
Como anticipé, Paisito fue de parto largo. El nombre me lo dio mi nieta Renata, nacida en Mallorca. Alguien le preguntó por su acento y ella dijo “…y vivo en otro paisito”
Mi paisito puede ser mi país, mi pueblo, el lugar de cada uno. Es un juego circular, de dolores y alegría, de muertes y nacimientos, de amores y desamores. De la vida a panza abierta.

¿En qué proyectos estás trabajando?
Tengo en corrección un libro de poesías para niños y otro para adultos. Terminé la obra de teatro “Me falta un nombre”, sobre el tema de la identidad en coautoría con Mario Cóccaro y estoy trabajando en cuentos y micro relatos.

ACONCAGUA. CRONICAS DE UN TALLER CON GENÉ (parte II)









por Laura D'Anna

Aconcagua
Casi luna llena. Cuando entré, el mozo me reconoció enseguida (pero hacía años que yo no iba por el bar, por lo menos diez!). Se acordaba de todos, me di cuenta después. Ya sabía de la muerte de Juan. Hablamos de él todo el tiempo que estuve allí. Entonces supe a qué había ido, mis pasos me habían llevado solos. Cada tanto atendía a otros parroquianos, y volvía siempre al pie de mi mesa. (¿Yo quería escribir?)
A ese bar de la esquina del viejo Celcit concurríamos todos, antes y después de las clases, antes y después de las funciones.

Días después estoy en tu casa, sentada a tu mesa. Aún está tu olor. Todo está igual de ordenado. Pero vacío (sin remedio(s)). Más solo.

Pablo, el mozo, me confesó que primero servía nuestra laaarga mesa, antes que la de Juan, porque si no, Juan terminaba enseguida, pagaba y se iba. Y todos nosotros, revoloteando nos íbamos tras él como con miedo a perder el tren (si llegábamos cuando se cerraba la puerta de la sala donde se daba el taller estábamos fritos).

Qué tristeza. Cómo te voy a extrañar.
¿Adónde vamos ahora?

Una vez, se acordó el mozo, Gené estaba sentado con ustedes y pagó –sin que nadie se diera cuenta- toda la mesa. Todavía me acuerdo, dijo, el gesto simple y cortante que hizo para frenar el intento de ustedes de pagarle. Ya está paga, dice el mozo que repitió. Y con eso nos frenó, simplemente. No sé si yo era de esa partida, pero reconozco la escena…

Sí, querido Juan, la acción clara que modifica al otro.

Hasta teníamos el teléfono del Bar Aconcagua. Bar que a veces “ocupábamos” por horas en reuniones de producción. Un día nos “matamos” redactando allí la sinopsis de La Orestíada…
También ensayábamos en ese bar. Me acuerdo una escena (ejercicio de dirección) que transcurría en un bar: una pareja de amantes que se citaron con el esposo de ella para contarle la verdad. (Y cuando había verdad los parroquianos se hacían la fiesta…)

Cuando ibas algunos domingos a desayunar, te sentabas en la mesa grande de la ventana, sobre EEUU,¿no es cierto?

Le cuento a Pablo, el mozo, que cuando llegábamos temprano, una hora antes de la clase, era porque seguro ese día “pasábamos”. Nos tomábamos el cafecito que no hacía más que acentuar un dolor de panza imposible de olvidar.

Todas esas pequeñas cosas fui a encontrar, creo, ese domingo, a 5 días de tu muerte.
-Te quiero mucho
-Yo también



CRONICAS (desordenadas) DE UN TALLER CON GENÉ
(parte II)

Y acá van las notas del taller de este 2011 que pasó. No son tan ordenadas como las anteriores (que publiqué en este blog en abril de 2011), pero son mi testimonio.
Tengo todo desordenado, picoteado. No entiendo a veces lo que escribí en mis libretitas o no me acuerdo de la obra que se estaba trabajando o no la leí. Tengo que confiar y dejarme llevar. Si anoté algo, si copié lo más fielmente posible las palabras de Juan y las de mis compañeros, habrá sido porque tenían sentido para mí. Porque me hablaban de algo, me reconocí en algo. Algo me resultaba urgente, importante.
Repito, Juan no da “soluciones”, la mayoría de las veces nos formula preguntas. O se revela enojado contra algún automatismo. O se apasiona con una obra que toca su fibra y la defiende de toda pobreza.
Me urge pasar en limpio estas anotaciones. Sí, tal vez porque son las últimas… Porque ya no habrá quien las lea y las apruebe, por lo tanto para que sean fieles tengo que apurarme antes de que se disuelva mi memoria. Porque ya no habrá clases de dirección con él.
Porque puede pasar que si pongo un pie en el silencio, al decir de Auster, el ser querido desaparecerá para siempre.


En pedagogía todo es pregunta; y toda afirmación debe ser considerada una pregunta. Una afirmación no es otra cosa que un modo de discurrir, y no la instalación de una verdad que no deje espacio a otras alternativas”. Juan Carlos Gené, citado por Hilda Cabrera en Página 12, 1 de febrero de 2012

Un tranvía llamado deseo. T. Williams
Escena Blanche, luego Stanley.
Blanche está sola, entregada a un juego relativo a su pasado. No es delirio. Lo del telegrama es para justificar el juego. Ella rompe una botella, se defiende. El ve algo seductor en eso, ¿una cabaretera? Pero, ¿quiere seducirla de entrada?

El zoo de cristal. T. Williams
I. Escena Laura-O’Connor
Esta actriz se disfraza de tímida, ¿por qué?
Si este hombre se siente incómodo no hay escena: es el hombre que sabe perfectamente cómo entretener a una chica.
En la réplica “Dígame, les gustaría…?” hay dos acciones diferentes. Como también en “Sr. O’Connor, le acepto un chicle”.
Por qué sacar, en la traducción, el término “ruidosamente” y dejar “has visto”. El director debe armar su propia dramaturgia.
Y sugiero que se olviden de la renguera al principio. O, si quieren, métanse con la renguera de entrada. Invéntenla.
II. Escena Laura sola, luego Laura y Amanda
La cuestión no es nunca una cuestión de cantidad, más o menos. Es una cuestión de cualidad.
Problema de autoridad: que Amanda se coloque como madre, no como hermana.
Propuesta: 1ra escena: que Laura esté totalmente entregada al juego del Zoo
2da escena, 1ra situación: Por un lado está fingiendo con la madre, por el otro, pendiente del juego, sin haberse desprendido aún de él.

Nuestra señora de las nubes. Arístides Vargas
I. Primera escena Bruna-Oscar
J. -¿Cuál es tu línea de acción?
-Dos exiliados se encuentran y crean una intimidad propicia al recuerdo
J. -Bastante abstracto. Está frenada la alegría, la alegría de encontrarse con alguien con quien se puede hablar.
Línea de acción propuesta por Juan: Dos exiliados se reconocen y crean un lugar íntimo para practicar el arte de la conversación (pero no es conversación)
Crean un hogar provisorio, en el que “juegan” a las visitas. El texto tiene fórmulas de “visitas”. Lo medular del exilio con humor y poesía. No dramatizar, nadie se autocompadece.

II. Escena la abuela-Memé
Hay un antes y después de los soldados. Determinar a qué distancia.
Cuentito: la abuela desafía la ley (el toque de queda) y los soldados la matan.
Memé: en qué es un tonto (no un niño). Articulación del lenguaje. Estar al lado de la abuela, hasta que ve los soldados.
El final: “ete es cielo, eta e tierra…” es un juego ya codificado. Como al principio “ahora va a decir “Meméeeee””. La abuela, esta vez, no va a responder, entonces “abuela, no”.

III. Escena del Hombre (que pescaba con pelícanos)
Se lo está contando a su hija muerta. Cualquier cosa que intente darle “realidad” a esto va mal. Y la cinta roja al pelícano es tan “cruel” como el freno que se le pone al caballo.

Yerma. Lorca
Escena Juan-Yerma
Ah, claro, él es el “malo”. Ella es la que abraza. El actor debe encontrar su Juan, en donde coincida con Juan. No moralizarlo.

La ropa. Garrote
¿En qué momento se dan cuenta de que una es la esposa y la otra la amante?
Las dudas se solucionan eligiendo.
-¿Qué hacen para descubrirlo?
- Conversan
- NO!
Hay que ver la acción que justifica cada réplica. En este texto pasa mucho esto: una hace una pregunta, la otra le sale con otra cosa.

Las criadas. Genet
Escena de los guantes de cocina. Solange-Clara y Clara-Señora
-este juego, ¿para qué es?
-para entretenerse
-NO! Están ensayando para que Solange tenga el coraje para matar a la Señora.
Qué es juego, qué es realidad, tiene que estar claro.
Trágico exacerbado: es un juego, es ritual, es tragedia griega (el equivalente a “Y esos guantes?” sería un “Oh, dioses, amparadme!”)
Que lo trágico no caiga en lo estereotipado. El ritual tiene que ser claro. El ir y venir del juego en que Solange es Clara y Clara, la señora.
Es un juego, es un ritual de muerte. Están jugando la vida, algo definitivo. No es un juego inocente con el que sólo se divierte. Es sagrado para ellas porque pertenece a los señores. Solange-Clara inclinándose a mirarse en los zapatos de Clara-señora: si de allí no saca todas las ganas de asesinarla, lo que están haciendo es sólo un jueguito…
ACOTACIONES. El tema de las acotaciones… Hay algunas que no tienen importancia. Es una cuestión de sentido común. Hay veces que limitan mucho, como cuando un director dice, “este personaje es así”, lo está limitando.
Hay una cuestión con el tiempo. Pulso: los cambios de personajes permiten los cambios de pulsos. Regla de lo teatral: cada acción es un cambio en el tiempo y en el espacio. El tiempo depende de lo que pase en el cuerpo y que se ve en el manejo en el espacio.

Arlequino. Goldoni
Escena Trufaldino solo con los baúles, luego Trufaldino y su patrón
1ra Escena: el oportunismo de T. le ha llevado a meterse con dos baúles y se confunde
2da Escena: Por querer solucionar su error sume a su patrón en un dolor espantoso por creer que su amada murió.
ESTILO. Juan habla del preconcepto de lo que es Comedia del Arte, la tradición de la Comedia del Arte. La estupidez.
Y agrega, no se puede empezar por su forma. El ESTILO se da cuando en el escenario se da lo que se tiene que dar (igual que en la tragedia).
El primer lazzi, el de cargar dos baules. Hay que hacerlo. Cómo los descarga. Luego el lazzi de las llaves. Todo es una aventura objetal, del hecho, con el espacio. Donde hay una velocidad, una precisión, una celebración de cada pequeño triunfo.
No hay –sigue Juan- formas preconcebidas, presupuestas. Para llegar a estos grandes estereotipos hay que lanzarse a la aventura.
Y si no se tiene dos baúles bien puede ser cuatro valijas.
Arlequino es un gran homenaje a la exactitud física. Sugerencia: cada lazzi, para serlo, tiene que tener un remate. Primer lazzi: que se esté por caer una maleta. 2do lazzi: el de la manga, que la manga se trabe porque allí está el retrato.

La edad de la ciruela. Arístides Vargas
Ellas juegan a las abuelas, ¿o se transforman?
Una cosa es qué cuenta la escena, que es lo que guía al director. Y otra cosa es cómo la cuenta el director. Hay que definirlo, ¿son las nietas que “juegan” a que son las abuelas? ¿O de pronto son las abuelas?
De dos situaciones elegir la más conflictiva. En este caso elegir que es la primera vez que se habla del tema. Como la escena culmina con algo denso, claro y directo, el comienzo debería ser liviano, degustativo, etc.
Stanislavsky decía “hay que amar la coma”…


Esperando a Godot. Becket
Hay una tonalidad corporal en los tres que no cambia nunca. Está muy inteligentemente dicho, pero nada cambia.
Por ejemplo: “la costumbre es una sordina”, estos pequeños gestos son vividos intensamente, como espejos de VIDA.
Esperanza? Triunfalismo? Hay certezas? Por qué? Es así?
Los silencios tal vez deberían ser… lo que callan, tan importante como lo que dicen.

Los poseídos. Camus

Los poseídos es la version de Camus de Los demonios de Dostoievski.
Escena María Timofeievna y Nicolás Stavroguin
Cuentito: María no reconoce a su príncipe. Nicolás viene a aclarar un trámite, desnuda sus intenciones, pero choca con la exigencia (las ilusiones) de María de cumplir la promesa de verdad.
No imponer una “coreografía”, si no es como obligar a un sentimiento. Se tiene terror a la inmovilidad, a estar sentados en una mesa…
Atención con las convenciones de “loca”…
-Por qué Nicolás se casó con María?
- Para expiar su culpa.

- Entonces que quede claro.
En la segunda parte de la escena se repite lo mismo que en la primera, y ya lo vimos. Y no puede ser.
¿Cuál es el vínculo que establece con ella? Esto es una decisión a tomar.
Puede contenerla (y entonces la réplica: “Estás loca, loca” sería un "querida mía, estás enferma…") o insultara (“Estás loca, loca”: "loca de mierda!")
A partir del momento en que ella lo tutea, ya no duda. Hay un cambio que no tiene vuelta atrás.
Nicolás Stavroguin está muy pasivo, sin embargo viene a imponer algo…
La escena podría dividirse en tres momentos:
Fantasía. María le ve un cuchillo que no existe.
Realidad. María rechaza la familia de Nicolás
María se da cuenta de que él no es el príncipe que espera.


Mi devolución
La dirección teatral me obliga a tener un norte, un rumbo. Y qué hacer con el miedo. Con el espacio. La relación con los actores. Repetir. Montar. Creer que una sabe y no saber. Ser directora pero también ser actriz. Ser oficiante.
Elegí Los poseídos, una obra larguísima, con muchos personajes, oscura, con un universo inagotable… Sé que hay algo más, de lo que me tengo que hacer cargo.
Siempre es un placer dirigir. Mirar y a partir de la mirada proponer. Afinar la capacidad de lectura.
Las diez líneas en que tengo que contar el cuentito de la obra. Mi lectura de ella. Qué pasa en cada escena, qué pasa en cada situación. Tener completo ese mapa ayuda a organizar el discurso para los actores. Para una de las ecenas que trabajé, yo había marcado demasiadas, Juan me reorganizó tres.
Tuve buen pálpito al principio de todo. Pero lo abandoné, no creí en él.


Devolución de Juan al conjunto de los alumnos
(a partir de los temas que los alumnos mencionaron como “descubrimientos” del año)
Siempre traté de refinar el cómo pedir algo a un actor. Cómo organizar el discurso para que implique acción, decir “esto se hace así” puede impedir una revelación del actor. Puede impedir la maravilla de ser sorprendido. Buscar las oportunidades para que el actor nos sorprenda. En los últimos años no me pasa el no ser sorprendido...
Sartre nos dice que toda técnica remite a una metafísica. La técnica es lo que se transmite, el sentido no. Cada uno tiene el suyo y lo descubre.
La técnica de las situaciones es de Stanislavsky, está en El actor sobre sí mismo, en el capítulo “Unidades y Objetivos”. La base del hecho teatral es el actor. El director debe correrse del centro. El actor es el que pone la vida, pero un desborde de vida, para eso es el teatro, y la vida es vida, no es simulación. De alguna manera no puedo prever lo que va a ocurrir.
Primer acierto del director: elegir bien a los actores. Su rol será hacer que el caos creativo pero confuso se transforme en un cosmos.
¿Qué pedir? Eso nos lo va a dar la frecuentación con el texto y las fantasías. Algo que querer en común, un territorio. Y la comunicación que sea clara, justa, sencilla. Pedir algo complicado no es inteligencia, proponerle al actor: “si, pero no”, no sirve. La sencillez ante todo, pedir cosas sencillas (sencillez que Mammet formula como una provocación: dar cosignas no más complicadas que ir a cerrar una ventana). Pedir cosas que correspondan al universo posible de ese actor o actriz.

Un espectáculo es un producto que se puede vender. También es una experiencia de relación entre seres humanos.
La primera lectura establece una corriente amorosa, la segunda es una lectura mitológica y va a tener que ver con la manera de contar esta historia. Las buenas obras se defienden (lo subjetivo (lo que el director quiere) vs lo objetivo (lo que es))
¿Cómo comunico todo esto a los actores? Porque él o ella no son yo. Y lo que pasa ahí, en la escena, no es del director. Hay que saber renunciar. La acción dramática es un ejercicio en busca de la modificación del otro. Pero el que intenta cambiar tiene que empezar a cambiar.

El misterio
Todas las grandes obras tienen una zona de misterio. Cuidado con convertir ese misterio en un problema. Un problema se puede resolver, un misterio no.

Lo que está escrito es y lo que es está escrito, hasta que se demuestre lo contrario.

El espacio
Objeto de escenario: una silla en el espacio vacío produce alrededor un campo magnético (sitio de atracción) que requiere acción, un actor va a recurrir a ellos. El objeto de escenario no cumple la misma función que en la vida.
No hay reglas. Dar la espalda, no dar la espalda. Un actor puede ser un objeto.
La posición que ocupa decide muchas cosas.
Que el ojo del espectador no “pastoree”, porque hay un tiempo real en el teatro, a mí me interesa que el espectador vaya adonde está lo importante de la acción. El ojo va al movimiento, como los toros.

La comedia del arte
Si encontramos una buena línea de acción, encontramos el estilo. El estilo es el acaecer concreto que uno tiene que encontrar. No hay formalidades que conformen un estilo. Hay que lograr el hecho físico que la Comedia del arte necesita. Y recordó el Arlequino de Strelher que vio en 1951, Marcelo Moretti era el actor, que luego se dedicó a entrenar a los nuevos Arlequinos.

Locura
Todos los grandes personajes teatrales tienen una vinculación especial con la realidad.

Lo heroico
El estereotipo de la heroicidad teatral me perturba.
Lo heroico es una reivindicación conciente de un hecho de coraje.

DIRIGIR es una voluntad expresa de influir sobre la realidad. Asumir que yo quiero dirigir y correr los riesgos. Contener. Tener claridad. Saber renunciar a lo renunciable.

¿Por qué y para qué esto del teatro, hoy?
El teatro tiene medida humana. Todos sabemos que vamos a morir.
Es un desborde de vida que vale la pena presenciar.
Todos sabemos lo de los hechos rituales. Desborde de vida dentro de la representación.
Y también está presente el mito de resurrección: mañana va a salir mejor.


Mañana te seguiré encontrando, querido maestro, porque estás dentro mío.



LAS MAGDALENAS DE PROUST: Nostalgias de la luz

En esta sección compartimos nuestras "magdalenas" (ver blog febrero 2009) o aquellos bocados culinarios, literarios, etc., que nos hacen descubrir tesoros en nuestra memoria; que nos transportan a la infancia o a un paraje de nosotras mismas olvidado, perdido, acaso injustamente minimizado; o que simplemente nos provocan un inexplicable (o bien explicable) regocijo.


Este mes Blanca Rizzo nos invita a ver la película del chileno Patricio Guzmán, Nostalgias de la luz


Nostalgias de la Luz
Patricio Guzmán y las mujeres de Calama
Por Blanca Rizzo
Un amigo de Concepción (Chile) subió a una red social la película Nostalgias de la Luz de Patricio Guzman.
Para mi sorpresa, y a pesar de las muchas interrupciones de esa tarde en que la vi, volvía a mi notebook corriendo ya que la magia de la imagen, de la voz del relato, del relato mismo y del magistral tejido de astronomía, arqueología, memoria y dignidad me produjeron una emoción permanente y un profundo agradecimiento.
El alto contenido poético de este documental-película, me hizo querer saber más del cineasta Patricio Guzman de quien ya me habían hablado y a quien busqué en youtube. Filmó “La Batalla de Chile”, trilogía de cinco horas nominada como uno de los diez mejores films políticos del mundo, “Salvador Allende”, así como también documentales como “En nombre de Dios”, “La Cruz del sur”, “La memoria obstinada”, etc. Toda su magia, su trabajo y su poesía han estado dedicados al rescate de la memoria en el hermano pueblo de Chile. Buenísimas las entrevistas donde cuenta la odisea para conseguir dinero para filmar, y sus consideraciones acerca de la memoria, de la televisión, de las mujeres de Calama.
Es muy extraño que habiendo participado desde el 81 en las marchas de las madres en Argentina, nunca sentí hablar de estas mujeres. Mujeres que con sus palitas buscan a sus muertos en un infinito y absoluto desierto. Oh, my God!.
Es tan inmenso ese amor como todo el cosmos y como todo el pasado. Es tan inmenso que cabe en un grano de arena y en la luz de todos los tiempos. Y habría que ser muy estúpido para intentar encuadrar este increíble, doloroso y maravilloso hecho sólo en un pleito político del formato “a favor o en contra de”.
Es puro amor, señoras y señores, es amor en polvo, es polvo de estrellas convertido en cuerpo de mujer que busca a su hijo, en cuerpo de mujer que busca a su hermano, en cuerpo de mujer que se conecta en el re-cuerdo de hueso a hueso.
Hay algo insondable y misterioso en las células de un ser humano que es capaz de buscar sin rumbo, sin brújula, sin medios, con el ninguneo de la mayoría de la sociedad a sus espaldas, y en el medio de la nada durante 30 años. Solo su convicción y su hilo de luz por meta y vector. Hay algo inexplicable y cuasi inentendible en esas almas que son capaces de navegar por los caminos de la memoria muriendo y renaciendo cada día, como ellas mismas cuentan, para hacer emerger los esqueletos de sus enterrados como los más bellos diamantes jamás encontrados en todo el universo. Todo esto es tan misterioso y tan mágico que supera ampliamente los límites del dolor. Estas mujeres se mueven a tracción amor, un amor que se sobrepone al tiempo, a la ignominia y a la muerte y que le da sentido a la poderosa luz del amor universal cuasi religioso, siendo ateas (algunas), cuasi mágico, siendo pragmáticas. Acción política extremadamente poderosa llevada a cabo por cuerpos que parecen débiles.
Película, director y mujeres tejidos por una forma de persistir, pelearla y producir mundo.

CAUTIVAS NUNCA MÁS

Ellas, las desaparecidas en democracia
Ellas, las raptadas para las redes del poder y la prostitución.
Ellas, una nueva categoría para el dolor infinito: "las cautivas prostituidas".
Ellas... esperan que alguien las rescate de la infamia para siempre.



A VIVA VOZ: Florencia Penacchi


por Natalia Tesone


Ella es estudiante de la Facultad de Ciencias Económicas de la UBA y empleada del Instituto de Vivienda de la ciudad de Buenos Aires.


Florencia de 24 años fue secuestrada el 16 de marzo de 2005 en la ciudad de Buenos Aires. Se presume que la joven procedente de Neuquén, fue secuestrada por redes de trata y prostitución. Marcelo Retes, fiscal a cargo de la investigación, sólo ha demostrado en estos años (ya van 7) que es un eslabón más en las complicaciones y complicidades judiciales y policiales con estas redes.

Desde el momento en que desapareció Florencia, sin respuestas, sus mejores amigas luchan cada día contra los prejuicios, la desinformación y la impunidad que envuelven el delito. En ese proceso, el grupo de amigas "Transformaron el 16 de marzo día de dolor en un día de lucha”.

Para que otras y otros jóvenes no caigan en redes de trata, durante todo 2008 y en la actualidad, las jóvenes visitan escuelas secundarias de la provincia dando charlas sobre el tema. Eligieron las escuelas secundarias porque concurren chicos y chicas que por su edad y su situación social pueden ser posibles víctimas de las redes. Les acercan información tal como: qué es la trata, sus modos de captación, cuestionamiento de ciertos estereotipos, como por ejemplo, que las mayorías de las chicas se van de sus hogares por propia voluntad o que las únicas víctimas son mujeres pobres y morochas. Le dan importancia en generar y articular el discurso de una manera clara y directa para que las chicas no entren en pánico y brindarles información en situaciones de peligro.

Cada 16 de marzo, sus amigas invaden las calles gritando a coro el nombre de su amiga. Tal vez, algún día, Florencia vuelva a estar entre ellas. Entonces ya no se escuchará su nombre. Ella se convertirá en una voz más de ese grito colectivo.

Florencia es una víctima más de las redes de trata que operan en nuestro país, secuestrando mujeres, niños y niñas para ser explotados sexualmente. En Argentina permanecen desaparecidas un incalculable número de personas. La impunidad de estas mafias obedece a su entrelazamiento con el poder político, empresarial, fuerzas de seguridad y la propia justicia, siendo uno de los negociados que más dinero mueve a nivel mundial y que reposa en la compra venta de mujeres, su humillación y sometimiento a un régimen de cautiverio, tortura y violencia.

"Buscamos a Florencia, para nosotras el 16 de marzo es el DÍA DE LUCHA CONTRA LA TRATA"

Se pueden contactar con Leonora Jáuregui 0299 154133788, Emilse Kejner 0299 154114506. O via mail a

sincautivas@yahoo.com .

NOTICIAS DE PATRICIA ARIZA DESDE COLOMBIA



por Natalia Marcet



ÉXITO TOTAL DEL FESTIVAL DE TEATRO ALTERNATIVO. SU DIRECTORA, PATRICIA ARIZA
Con más de 30.000 asistentes a las salas de teatro, espacios no convencionales, foros y talleres, el Festival de Teatro Alternativo llega a su última semana en escena. Las obras Pasarela de la CCT y Guadalupe Años Sin Cuenta del Grupo Rapsoda, cierran esta gran fiesta con funciones en el Teatro Jorge Eliecer Gaitán y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.

Bogotá, domingo 8 de abril. La IX versión del Festival de Teatro Alternativo llenó las expectativas y también las salas. Así lo corroboran las decenas de localidades agotadas que se vivieron en todo el circuito del Festival. Woyzeck, la muy esperada obra finlandesa de la compañía Passión & Mord debió presentar doble función para poder recibir a los más de 400 visitantes que esperaban a lo largo de la calle 12 frente al Teatro de La Candelaria. A varias cuadras de allí el teatro Teatrova registraba sobrecupo y lo mismo sucedía con la Sala Seki Sano, que presentaba El Loco y La muerte, pieza teatral dirigida por Guillermo Piedrahita. Este es el panorama que se registra en la mayoría de salas, espacios no convencionales, universidades y colegios públicos que hacen parte de los escenarios del Festival de Teatro Alternativo, que se presenta hasta el próximo 14 de abril.

Compañías y obras llegadas de México, Perú, Cuba, EE.UU, Finlandia y España y, en el escenario nacional: Cali, Barranquilla o Medellín entre otras, no solo participan de esta fiesta alternativa sino que cuentan con el cálido recibimiento del público, que colma las salas y además destaca la programación teatral por su calidad dramática y la posibilidad de ver una función diferente cada noche, todas al mismo bajo precio, en diversos espacios de toda Bogotá.

Entre los espectaculos se presentó PASARELA performance dirigida por Patricia Ariza en el cual 45 mujeres toman el espacio con formato de una pasarela de modelos, pero en lugar de ser tratadas como objetos, en esta pasarela estas mujeres ponen su voz para contar los hechos de violencia que las afectan.



ESTACIÓN JUNIN




Los niños son artistas por naturaleza. Para ellos expresarse artísticamente es tan espontáneo como jugar. El ARTETERAPIA propone actividades motivadoras de expresión libre y experiencias enriquecedoras que, además de entretener a los niños, les posibilita canalizar mejor sus emociones, potenciar sus habilidades e incorporar capacidades para crecer y desarrollarse autónomamente.
La utilización del ARTE como terapia es un proceso creativo adecuado para todas las edades y en el caso de los niños es de gran ayuda, ya que en ocasiones es difícil que puedan verbalizar lo que les está sucediendo o cómo se sienten. Ello simplemente es porque para los niños a veces es más fácil expresarse por medio de un lápiz, un pincel o un juego que hacerlo verbalmente. Mediante el arte y el juego, ellos escenifican y simbolizan su mundo interno, por lo que juegan un papel importantísimo en su desarrollo y aprendizaje.
Este taller para niños de 5 a 8 años, es indicado para aquellos niños y niñas que necesiten de un espacio de expresión y comunicación. El arteterapia favorece al desarrollo de formas espontaneas de expresión y poco a poco el estímulo creativo ayuda a mantener la estabilidad emocional. Además contribuye a mejorar problemáticas de conducta e integración social, cuestiones de ansiedad e hiperactividad y problemáticas de inseguridad, temores y baja autoestima que muchas veces se hacen presente a edades tempranas.
Así, en los talleres de Arteterapia los niños adquieren mayor independencia y confianza en sí mismos mediante la puesta en juego de la creatividad y la espontaneidad, dos potentes virtudes naturales de los niños.
Algunas de las cosas que realizamos en los talleres son: dibujos, garabatos, obras de arte, colores, pintura, dactilopintura, arcilla, narración, cuentos, libros, máscaras, dramatización creativa, música, improvisaciones, meditación, relajación.

Coordina el espacio: Psicóloga Valeria S. Miguel, psicóloga clínica, coordinadora grupal, formada en arteterapia y psicodrama.Para más info: psvaleriamiguel@hotmail.com

Diario de cuarentena. Collage.

Diario de escritura colectiva. Collage de palabras de muchas mujeres, de diferentes oficios, de diferentes lugares, todas atravesadas por...