PRÁCTICA TEATRAL


Práctica teatral sí, pero ¿con qué se come?
Primera parte

Por Ana Woolf

Me llamo Ana María Zeigner. Argentina. 40 años. Soy hija de Isaac Zeigner (argentino) y de Beatriz Weinschelbaum (argentina), ambos con padres rusos.
Soy actriz. Me llamo Ana Woolf. Soy argentina. No soy una actriz argentina. No trabajo generalmente en mi país. No actúo generalmente en mi lengua. No vivo ni siquiera más de un mes por año en mi país. Vivo generalmente en una sala de teatro. Vivo gracias a esa sala de teatro. Y cuando no estoy allí, "adentro", sueño con esa sala de teatro. Hoy no voy a la sala. Hoy no entreno ni mi cuerpo, ni mi voz. Hoy, si quiero seguir eligiendo entrar en esa sala de teatro con la gente que elegí para trabajar, debo salir de la práctica teatral y pasar a ese "otro lado". ¿O es esto también una práctica?
Marsella. 07.55 hs. Soleada mañana de otoño. Pienso que una rosca hoy me haría bien al espíritu, sobre todo antes de entrar a ese "otro lado". En mis manos un, fajo de papeles, fotocopias, contratos, fotos carnet, acta de nacimiento... y la voz de una amiga que me dice "va a ir todo bien, no te preocupes". Mi panza se mueve sola. No es el mismo nerviosismo de cuando estoy por salir a escena, prefiero la sensación de la escena. Es casi erótica. La ansiedad previa a hacer el amor...
Me encuentro preguntando en una ventanilla de una institución oficial y luego en otra y en otra ¿A dónde debo ir? ¿A qué puerta? Recuerdo el ejercicio de la puerta que hice tantas veces en teatro: abrís la puerta y entrás. Y la voz de mi maestro: ¿Adónde vas? ¿Porqué esos dos pasos a la izquierda?... La entrada: uno de los ejercicios más difíciles para un actor. No entrar nunca sin saber a dónde vas –me escucho decir siempre a mis alumnos.
Allí, al fin, veo escrito en una puerta "Asile" no, esa no soy yo. Veo en otra puerta cientos de personas que se empujan entre sí para ingresar a otra puerta en donde parece se dará un número que nos dará el derecho a ser atendidos. Me doy cuenta de que soy la única blanca entre todos ellos. Árabes y africanos en su mayoría. Escapados de no sé qué historias de guerras, dictaduras y desiertos... Quiero llorar. Pienso en mis pies y en el centro de energía que trabajo cada día en mi entrenamiento, en ese otro lado. Respiro. Me digo "tengo que hacerlo" y comienzo a empujar yo también.
Tengo un papel en mi mano.
En pequeñas letras debajo de la imagen delineada de un rostro de mujer dibujado en negro está escrito:
Liberté-Egalité-Fraternité
Republique Française
Prefecture
Des Bouches-Du Rhône
Bienvenue dans le service
ETRANGER
Vous serez appelé (e) sous le numero: 820
Nous sommes le 06/10/2005
Il est 08:46 hs
Il y a 203 personnes devant vous
Estoy sentada en el piso. Junto a niños que lloran, otros que ríen, junto a ancianos que ni siquiera pueden caminar, junto a mujeres embarazadas y adultos que no saben leer y se agrupan para escuchar la lectura de un documento de trabajo o una resolución. Tengo 203 personas delante mío y unas 400 detrás. Paso por 10 sentimientos al minuto: impotencia, llanto, fortaleza, angustia, desolación, optimismo, enojo, furia, rabia, culpa por lo que veo, acá debo hacer algo teatral 10 minutos por semana al menos para esta gente que espera horas y horas en medio de un clima de papeles muertos... deseo también escaparme y dejar todo. Irme a mi casa (mi casa es siempre la de Buenos Aires). No. No gano nada, me quedo y me digo la frase que me ayuda en momentos de desesperación: este día en algún momento va a terminar.
En medio de todo esto mi historia es insignificante. Quiero una visa de trabajo "profesión artístico cultural" para permanecer en la Comunidad Europea y poder hacer teatro cerca y/o con las personas que quiero, que necesito, que encontré y que no deseo perder. Yo sólo quiero hacer mi trabajo y mi trabajo es teatro. No hay frontera, no hay límites físicos ni lingüísticos, ni sociales ni culturales... no necesito papeles para entrar y entrenar en una sala o sea no hay papeles para pasar de una realidad a la otra y sin embargo sí hay papeles para pasar de una realidad a la otra: cuando deseo salir de lo "extra cotidiano". Esto es naif. ¿Qué tiene que ver todo esto "extra" con el teatro? ¿Qué tiene que ver todo lo "extra" con el teatro? ¿Y con la "práctica"? ¿Es esto parte de mi práctica cotidiana para ser mejor artista? ¿Debería serlo? Sí. La incursión a una oficina de emigración, la visita a una villa miseria, a una cárcel latinoamericana, marroquí, libanesa... a un hospital público boliviano, argentino... debería ser un ejercicio obligatorio que se incluye en un programa de escuela de formación de actores. Es parte de una práctica teatral que busca mantenerse viva a través de un contacto con la realidad que la circunda. Y la realidad es bella y miserable al mismo tiempo.
No hay mucho más para decir.
Hasta acá el punto de llegada luego de años de práctica. El mismo punto de llegada que el de Zamir, el senegalés con el que estuve hablando en el oficio de emigración quien escapó de su pueblo hace cinco años, perdió en el camino a su madre y hermana, atravesó parte del desierto corriendo y esperó una entrada legal en el sur de España durante un año y medio. Es bailarín. El y yo nos encontramos un mismo lugar, un mismo día, a una misma hora. Cada uno con su práctica, con su destino a cuestas; el suyo incomparable al mío, pero él y yo reclamando lo mismo: un derecho a trabajar. ¿Qué es la práctica en medio de todas estas historias? ¿Para qué sirve? ¡Qué sé yo! ¿Para ser un buen actor? ¿Para ser un buen observador de nuestro alrededor e intentar luego buscar una estrategia que nos permita «contar/lo» de la manera más eficaz? ¿Cómo muestro entonces acá el cuerpo de mi práctica? ¿Cómo transformo mi escritura y pensamiento en práctica escrita?
Recuerdo lo que escribió Julia Varley, mi maestra, en la editorial de Open Page nos importa el cómo y no el por qué. A mí me interesa el por qué y no el cómo. A mí me parece que lo que falta en general es el por qué, no sólo de un espectáculo sino también del ejercicio de una práctica teatral cotidiana. Muchas veces he visto demasiado músculo en piernas y abdominales y poco músculo cerebral.
Lo que viene es un esbozo de camino transitado:
Nadie me enseñó, ni en la escuela de teatro, ni mis maestros, a llenar papeles y formularios para pedir visa, dinero, buscar estrategias políticas para sacar adelante un proyecto y sin embargo sin esto no puedo hacer el teatro que elegí hacer. Concluyo entonces que esto es también «práctica teatral».
Convengamos que estoy hablando de una vida artística particular: para mí el teatro es una obsesión que si no la convierto en práctica me envenena y enferma. No tengo marido ni hijos. Esto me da una posibilidad de elección más amplia –no más fácil– ya que lo anterior también es una elección que privilegia mi trabajo por encima de cualquier otro tipo de elección afectiva y emocional. Convengamos que estoy hablando de un trabajo artístico particular: un entrenamiento físico y vocal ejercitado a veces lujuriosamente cada día; la construcción de espectáculos con gente no sólo que puedo elegir sino que admiro y considero maestros/as. Una producción que como es privada y personal no me impone más condicionamientos que el tratar de vender el producto artístico para recuperar el dinero invertido y también para poder resistir, como sudamericana, la cara vida de Europa. La elección –muchas veces libre- de temas sobre los cuales necesito hablar incluso si no serán redituables en el mercado teatral: Desplazamientos constantes y conocimiento de otras culturas, personas, tradiciones. Un privilegio sí. Un privilegio que pago sin metáfora con soledad, con ausencias de seres que amo, con la imposibilidad de sentir frecuentemente el olor, el rumor y la temperatura de los cuerpos queridos cada día al despertar; con la falta de un lugar al cual llamar "hogar"... Un privilegio que pago literalmente de mi bolsillo y del cual no me arrepiento de haber elegido. Otro privilegio: el poder elegir. Elegir también comer brocoli (económico en Dinamarca, en vez de berenjena a 1,50 euros cada una).
Soy una actriz que trabaja a veces como directora y casi siempre como pedagoga de lo cual no podría prescindir. Amo la pedagogía como espacio de juego e investigación, único posible para mí, para inventar, mezclar, elaborar y reelaborar todo lo aprendido y consumido, y renovar mi práctica teatral. Colaboro con diversos grupos de teatro, pero no pertenezco a ninguno. Añoro en el fondo la vida de grupo y creo fundamentalmente que el teatro es trabajo de un grupo. Estoy en espera a la vez que en la búsqueda. Sueño con encontrar en algún momento de mi vida el espacio que me contenga y al cual pueda yo contener.
He recorrido muchas escuelas: la primera y mi base: Stanislavsky. El maestro. A través de él, transmitido por mi primer maestro Julio Baccaro, empecé a dar mis primeros pasos en la escena. Durante las clases recuerdo que Julio insistía en el cuidado de los mínimos detalles y era obsesivo en la búsqueda de responder los por qué de cada acción, de cada palabra de un texto escrito. No me habló nunca en términos teóricos, siempre en observaciones prácticas y lógicas. Recuerdo su felicidad cuando encontraba por qué el autor había escrito por ejemplo un punto suspensivo o un cambio de emoción rápido e incomprensible a primera vista. Julio me enseñó a buscar el más allá de las palabras dichas y escritas. Sus porqué más profundos casi como un biólogo delante de su microscopio y su imagen más escondida. Me enseñó a construir una imagen allá donde parecía que todo era la nada. Esto a través de los años, a través de juegos casi infantiles al inicio, como por ejemplo hacer una conferencia sobre la importancia de la leche en el desarrollo de la sexualidad del mosquito y creyendo en lo que se decía y tratando incluso de convencer a los espectadores con las cosas más absurdas. Esto era: volver lo absurdo tan real tan potente que la misma realidad tambaleaba. Era al fin y al cabo una cuestión de fe. De creer en lo que se estaba diciendo. Terminábamos pensando ¿por qué no? ¿Podría ser no? Ejercicios de improvisación libre. Nos daba un tema en parejas y teníamos 20 minutos para armar la situación: llegás a tu casa y descubrís que tu propio marido robó tu dinero para jugarlo a los caballos. El llega en cinco minutos. Ejercicios que luego se iban complejizando cada vez más hasta el trabajo con textos como Chejov, Shakespeare, Ibsen, Pinter, Strindberg... Williams... O el ejercicio maravilloso y dificilísimo de abrir una carta, por ejemplo con una mala noticia o una super feliz. metáfora de todo lo que después vendría como método de aproximación a una escena. Julio nos hablaba siempre de los pasos, de los mojones, como los peldaños de una escalera: uno debe subirlos uno a uno sin saltearlos y entonces se llega arriba. Con los pensamientos, acciones internas, era lo mismo. Un millar de microacciones celulares que, diría, se escondían detrás y antes de llegar a la reacción fatal: felicidad extrema máximo dolor. Julio comenzaba a bombardearnos con preguntas: esperaba la carta o no, porque eso cambiaría obviamente mi entrada a la casa. Entro y miro si llegó o no la espero y de pronto luego de dejar todo la veo. ¿Y de dónde y cómo vengo? Y luego cuando la veo, ¿quiero abrirla o no? ¿O no, pero sí? Esto era lo mejor porque generaba la famosa tensión de los opuestos. Y aún más: la tiro; no, la quemo; no, la guardo para más tarde; no, la abro ahora pero ¿lenta o velozmente? Lo hago todo de una vez y basta; no, lentamente tratando de no romper el sobre... y más y más y así un mundo maravilloso sobrevolado por infinitas posibilidades se abría ante mis ojos. No importaba la resolución o mejor dicho no importaba la reacción, sino el camino de las infinitas transformaciones, de las posibles transiciones.
Con Julio aprendí también a mirar las espaldas: nos íbamos a un bar luego de la clase a hacer "madrugada" hasta las 2 de la mañana muchas veces, él nos contaba historias del teatro argentino, de los viejos actores, anécdotas inhallables en los libros de historia, o cómo había resuelto técnicamente una escena de la última obra que estaba dirigiendo con actores super fashions. De pronto se detenía (aún hoy lo seguimos haciendo), cambiaba el tono de voz, se volvía susurrante, sutil, y decía: mirá la espalda de ese hombre o de esa mujer y comenzábamos a leer/ inventar/ su historia. Aprendí también disciplina en el trabajo: a leer todo lo que se me cruzaba por delante sobre teatro, cine, pintura, música, me daba vergüenza no conocer un nombre cuando Julio lo nombraba. Aprendí a respetar la regla sine qua non por la cual mucha gente dejó la escuela: que mientras se estudiaba no se podía comenzar a trabajar como actor. Porqué decía Julio, cuando uno de los alumnos venía a preguntarle, si un estudiante de medicina debe esperar años para enfrentar a su primer paciente por qué nosotros queremos salir al escenario luego de un par de clases. ¿Porque no hay riesgo de muerte? Lo hay sí. ¿Porque no se ve el muerto? El muerto se verá de todos modos.
Aprendí a ver y a pensar en términos prácticos: veíamos el trabajo de nuestros compañeros y debíamos obligatoriamente, cuando Julio nos nombraba, expresar nuestra opinión en términos de observación crítica. Nada de "me gustó o no me gustó", sino esto no funciona porque falta esto o aquello o al contrario funciona para mí porque el actor hizo esto o aquello. El saber que, si Julio me nombraba, yo debería ser capaz de construir un discurso crítico, fundamentado en mi observación práctica, sobre los trabajos de los que estaban en escena hizo que se desarrollara en mí un sentido de observación basado en preguntas y respuestas constantes: acá va, acá hay algo que hace ruido, por qué, por qué, por qué... sí, acá, sí, por que... Lo mismo cuando yo hago mi trabajo: construyo material sin un director presente. Podría decir entonces que no tengo paz cuando veo un espectáculo, y es cierto, pero a su vez también podría decir que si dejo de preguntarme los por qué a cada rato y cómo está siendo construido paso a paso es porque el espectáculo o el actor logró arrancarme mi cabeza y sumergirme, arrastrarme en su mundo hipnotizada por el poder de su presencia. Lo que vino luego de esto, mi primera escuela y mi primer maestro fue un complemento, como el relleno de una torta que se vuelve cada vez más compleja más enriquecida, pero el bizcochuelo estaba ya hecho y era Stanislavski de la mano de mi primer maestro. Me quedé con él 10 años, primero como su asistente de dirección en las clases y luego como docente en una escuela que fundamos juntos. Cada vez que nos encontramos seguimos haciéndolo en un bar y mirando las espaldas de la gente.
¿Aprendía una técnica?

MAGDALENAS TRABAJANDO


La sonrisa de los chicos
El debut de Magdalenas en Burzaco

Apenas habían pasado las tres de la tarde del último viernes de agosto, cuando en la Escuela N° 49 Islas Malvinas, del barrio La Linda en Burzaco, se empezaron a encender las estrellas.
Con el sol colándose por las ventanas del salón de actos del colegio, frente a 130 chicos que se iban acomodando para recibir "una sorpresa", ellas, desde lo alto, invisibles con su presencia omnipotente, estaban uniendo el cielo de Ana Woolf en Dinamarca con el de las Magdalenas que pisaban la Argentina, habilitando la magia del estreno: la primera actuación de Magdalena Segunda Generación que, de la mano de la Fundación Mariú, llegaba a la Escuela 49.
La iniciativa de compartir un espectáculo teatral con los chicos para festejar el Día del Niño, había nacido en una de las primeras reuniones de Magdalena y se fue gestando junto con la Fundación Mariú, que desde la crisis de 2001 colabora asistiendo a comedores y a otras fundaciones de la ciudad y del Gran Buenos Aires que trabajan con los sectores más necesitados de la población.
Esa tarde, mientras el grupo terminaba de ajustar detalles de la escenografía y de acondicionar el espacio, me colé en una de las aulas más próximas: "Bueeenas taaardes señoooritaaaa", recibí como saludo apenas abrí la puerta. Eran los chicos de 1° D que esperaban. Esperaban su sorpresa. ¿Saben quienes vinieron a visitarlos?, pregunté. "No, pero van a darnos unas sorpresa de amigos", contestaron a coro. "Por el día del árbol", agregaron otros. ¿Vieron alguna vez una obra de teatro?, seguí. "Noooo", dijeron. ¡Ah!, porque me parece –dije-, que vino un grupo de actrices a hacer una obra. "¡Qué hermoooso!", soltó una nena tapándose la boca con las manos mientras esperaban unos minutos más a que empezara la función.
La función arrancó con la cola de Natalia Rey asomándose y meneándose por la puerta de la escenografía hasta que la dejó parada con su sonrisa y su galera oficiando de presentadora. Allí se soltaron los primeros manojos de risas y asombros que quedaron revoloteando por la sala para acompañar las distintas presentaciones. El encuentro entre las Magdalenas y los chicos transitó de la mano de: Mondonga y su sombra que narraron el cuento El Quinquincho y el Ñandú. Versión bilingüe con Natalia Marcet y Natalia Tesone; Las valijas de la Tía , de y por Laura D´Anna y Natalia Marcet; y Una puerta un sueño, de Irene Rotemberg, con Gonzalo Aranda, Jazmín Rodríguez , Andrea Rodríguez y música de Martina Lafluf, dirigidos por Natalia Rey.
El resto del grupo Gabriela Bianco, Nilda Blanco y yo acompañábamos y registrábamos cada segundo del encuentro. Una hora que transcurrió mansamente. Una hora en la que la magia del teatro iluminó miradas, gestos y aplausos.
El debut de Magdalenas 2da Generación, en la Escuela N° 49 de Burzaco fue en realidad un abrazo, un abrazo con la vida que se asoma en carcajadas, cachetes colorados, manitas regordetas, dientes caídos y pedidos de autógrafos.

Sandra Califano



GORDAS
Domingo 28 de septiembre, 20 hs
Centro Cultural Defensa, Defensa 535

Actriz: Natalia Marcet
Textos: Natalia Marcet
Arreglos musicales: Juan Sardi
Dramaturgia : Ana Woolf
Dirección: Ana Woolf
El espectáculo es una gran pregunta irresuelta sobre una adicción que día a día va cobrando sus víctimas mayormente en forma silenciosa. Es una autobiografía de una mujer que pasó por el infierno de una enfermedad "contemporánea" la bulimia/anorexia. Es la historia de un ser humano, que como tantos, al buscar la aceptación de su entorno entran en un camino de autoviolencia y autoflagelación en donde su imagen se pierde entre miles de imágenes y modelos sociales impuestas.
Dijo la prensa:
Natalia Marcet: Una actriz sin caretas.
"un pedacito de infierno, robado al recuerdo y trasformarlo en teatro...bajo las instrucciones de la directora Ana Woolf, sumado al talento de la actriz, nace "Gordas", que representa no sólo una historia de vida, si no un incentivo para quien lo busque y necesite...regalando, envuelto en arte, un pedacito de su pasado, un mensaje positivo"
Leticia Crossa INFORMADOS (ETER)
"...la vimos a ella y a cada una de las mujeres que transitan por ese espacio doliente del cuerpo femenino hecho pedazos en el discurso de los demás. Todos los presentes fuimos, por un instante, las gordas ...la escena es descarnada ...un ámbito estetizante y delicado...la perfecta correspondencia para la historia dolorosa de desintegración que se va a narrar desde adentro
Adriana Derosa. NOTICIAS Y PROTAGONISTAS
Muchos críticos creen que todo arte es político, incluso a pesar de sus intenciones. Y si además de construir un universo simbólico, el arte pone el cuerpo y habla del género humano,
de sus alegrías o sus tristezas, de sus virtudes o sus miserias, es sobre todo político.
Este preámbulo nos sirve para pensar la obra de teatro "Gordas", con
texto y actuación de Natalia Marcet y dirección Ana Woolf... tiene un innegable mérito: Es el texto de alguien que estuvo en el infierno, se recuperó y salió a contarlo a partir de un mensaje claro: Ser es siempre mejor que parecer, aún cuando el entorno nos mida a través
de nuestro peso ... un intento desgarrador de contar la historia de una mujer que se observa y se obsesiona a través de su cadera, que castiga su deseo y "narra" su cuerpo como un lugar de descomposición frente a los espejos cubiertos de la escenografía, frente a un frasco de anfetaminas. El resto es literatura...
Jose Luis Cutello DyN (Diarios y Noticias )
GORDAS es una propuesta sorprendente. Nos sorprende Natalia, con la valentía de su exposición. Nos conmueve con los temas que plantea. una realización con textos duros y una excelente puesta poética por parte de su directora Ana Woolf ...la agudeza de la mirada femenina, llena de dolor, dulzuras y sensualidad...Duele muchas veces Natalia, en nosotros, todos y todas...una historia personal puesta en escena que logra un carácter universal...
Silvia Ferraggine, Actriz y narradora oral
DIJO LA NACION
"imperdible"
Mirada poética sobre una adicción, Gordas es una obra desgarradora basada en un texto autobiográfico

HOMENAJE


Cristina Wistari Formaggia,
Que nos ha acompañado en ARTA durante veinte años.
El 25 de septiembre a partir de las 18 hs

Su viva presencia, su pasión, su exigencia, su generosidad para transmitir, vibran aún en nuestros muros.
Desearíamos ver juntos algunas de las numerosas huellas filmadas que nos dejó:
- De 18 a 19:15 hs, su película Le Gambuh :
antigua danza dramática de Bali, realizada con el grupo de Gambuh del Templo del pueblo de Batuan.
- De 19:30 a 22 hs, diferentes secuencias que testimonian su trabajo artístico y pedagógico en Bali, en el Odin Teatret y en ARTA de las cuales muchas son inéditas de Anne L. Lacombe.

Estos horarios son aproximados ya que nos tomaremos tiempo para charlar compartiendo algo para beber y para comer...
Para poder organizar mejor nuestro encuentro, agradecemos nos confirmen su presencia.

Lucia Bensasson y Jean-François on Dusigne

ENCUENTROS

Encuentro entre Magdalena 2a. Generación y el grupo peruano Cuatro Tablas.
La cita tuvo lugar el día 3 de Agosto, a las 18h, en el Teatro Nacional Cervantes.
Se abren las puertas de la sala Maria Guerrero a las 18.30, dando comienzo al espectáculo a las 19 a sala llena.
La obra tiene una duración aproximada de 1 hora 15 minutos. Una vez sellada la función del día de la fecha, se produce el encuentro entre Magdalena 2da generación y el grupo Cuatro Tablas, actrices y actores charlando de lo sucedido en escena, de Ayacucho (Perú) y del festival que se realizará en el mismo lugar, en el mes de noviembre del corriente año.
Un encuentro, diferentes culturas, un mismo lugar…el teatro.
Arguedas, los ríos profundos. Dirección, Mario Delgado Vázquez
Entre el 26 de julio y el 10 de agosto, de jueves a domingos, a las 19, se presentó en el Teatro Nacional Cervantes, Av. Córdoba 1155, Ciudad de Buenos Aires, Te. 4815-8883/6, la obra de teatro Arguedas, los ríos profundos, del grupo peruano Cuatro Tablas. Los ríos profundos, de José María Arguedas, es una ficción autobiográfica que narra la vida de Ernesto, un niño que, como el propio autor, se crió entre indios, mestizos y señores blancos, en "una sociedad bilingüe, dividida por ancestrales barreras étnicas y de clase". En viaje junto a su padre, Ernesto mantiene un intenso vínculo con el paisaje que le revela su peregrinar por el Perú profundo.

Natalia Geraldine

ALGO PARA RECORDAR


La Ranchería

Descartada la presencia de espectáculos "dramáticos" con raíces y expresiones indígenas propias -apenas los indicios que proporciona "la fiesta de Sumamao"-, cabe insistir en que, en lo que al área respecta, el teatro llega y se desarrolla con los colonizadores españoles. En unos casos, alentado y hasta escrito y animado por los religiosos de las distintas órdenes -aunque la de los jesuitas fuera una de las más activas-, en colaboración con los indios a su cargo. Componían espectáculos con propósitos catequistas e intenciones de desterrar las antiguas creencias de un paganismo de simbología elemental.
En otros casos, y también desde los momentos iniciales de la Conquista, se advierte la representación de un teatro profano, con obras de distinta índole procedentes de la Corte, para entretenimiento y diversión de los nuevos pobladores de unas tierras que los estaban desalentando -por la carencia del oro que incitara sus sueños desmesurados por la ambición-, y servían, asimismo, para rememorar y destacar fechas y acontecimientos de la patria lejana, cumplir celebraciones regionales y festividades patronales.
Papeles de muy antigua data van recogiendo, al pasar, detalles de gastos por haberse "hecho comedias", de representaciones ofrecidas al aire libre, en ámbitos oficiales o en los amplios salones de las casonas señoriales, y títulos de obras cuyos autores principales, por serlo también en la península, eran Calderón, Lope de Vega, Moreto y algunos otros que pertenecían a un nivel artístico con ciertos rigores, mientras en un plano con exigencias menores se ofrecían "pasos", "entremeses" y sainetes, con bailes y tonadillas donde se hacía gala de un desenfado y de una acentuada picardía que gozaban de gran atracción popular.
Todo esto sucedía en Buenos Aires -desde el principio Puerto-cabeza del territorio-, pero se repetía en un interior que se iba amojonando y creciendo en ciudades al compás que imponían los colonizadores.
Se sabe de espectáculos realizados, a partir de fines del siglo XVI, no sólo en los que podrían ser considerados centros zonales o de influencia, como Mendoza, Córdoba, Tucumán, Catamarca, los bullentes predios de las Misiones Jesuíticas, etc., sino, también, en lugares que aún hoy resultan un tanto insólitos. Pueden ponerse como ejemplo las funciones que en 1789, para festejar la proclamación de Carlos IV, se ofrecieron en las islas Malvinas con obras de Calderón y Moreto, y denuncian la pasión por el teatro y el deseo de no perderla, que poseían los aventureros españoles que habitaban tan lejanas comarcas.
En lo que a Buenos Aires se refiere, que es en donde, por razones económico-sociales se cumple el proceso artístico y cultural del área, a fines del siglo XVIII carecía aún de una Casa de Comedias como las que ya funcionaban por entonces en otras ciudades de la América hispana. Los investigadores señalan las posibilidades de que, a partir del siglo XVII, Buenos Aires dispusiera de locales dedicados a espectáculos, aunque sin poder asegurar si en ellos se representaban obras teatrales. Se habla de uno que se inauguró hacia 1757, sin conocerse su labor específica, y de que hubo otros de carácter precario, antes de que con el patrocinio y apoyo decidido del virrey Juan José de Vértiz y Salcedo -español-americano, pues había nacido en México- se inaugurara el primer "teatro" del que se tienen ya mayores noticias. Vértiz, hombre culto y progresista, consideraba el arte teatral como "una de las mejores escuelas de costumbres" y estimaba que manifestaciones de tal índole eran imprescindibles "en una ciudad que carece de otras diversiones". Por ello se propuso construir una Casa de Comedias que estuviera de acuerdo con una plaza de las perspectivas que poseía Buenos Aires.
Al comprender que habría de pasar cierto tiempo antes de que pudiera entrar en funciones una sala de tal envergadura, autorizó para que, entretanto, se levantara un teatrillo provisorio, cerca de la Plaza, en la esquina que hoy forman las calles Alsina y Perú. Era un galpón de ladrillo, con tirantería de la mejor madera del Paraguay y techo de paja, que se inauguró en noviembre de 1783. En los papeles oficiales se la nombró con el pomposo título de Casa de Comedias pero, por hallarse emplazada en un lugar que según los historiadores era llamado "Ranchería de los Jesuitas" o "Ranchería de las Misiones", pronto se la conoció popularmente, y así pasó a la historia, como Teatro de La Ranchería.
El virrey incitaba al vecindario para que concurriera a los espectáculos improvisando veredas rústicas y pasos con piedras en las callejas de tierra, procurando iluminarlas para que no fuera peligroso transitarlas a ciertas horas, y para dar el ejemplo, ocupando con asiduidad su engalanado palco oficial. Los espectáculos que se ofrecían, por lo común los días jueves y feriados, se anunciaban mediante carteles, pregoneros y cohetes voladores, y un farol que se encendía en la esquina de las actuales calles Alsina y Chacabuco, a apenas una cuadra del local. Las funciones se suspendían por mal tiempo y, sobre todo, si llovía.
El repertorio de La Ranchería procedía de la Corte y se desarrollaba bajo su influencia. El propio virrey Vértiz se había tomado el trabajo de redactar la "instrucción" a que debía ajustarse el funcionamiento del teatro, en todos los órdenes. La Ranchería cumplía su cometido artístico dentro de los previstos cauces coloniales, hasta que adquiere una significación especial cuando a su tablado bordeado por candilejas a vela de sebo sube Siripo, tragedia en 5 actos de un autor criollo, Manuel José de Lavarden. Siripo, que se estrena en La Ranchería un domingo de carnaval de 1789, la que registra su nombre y lo coloca en los peldaños iniciales, pero sobresalientes por su importancia, de la creación dramática nativa.
Según se asegura, los libretos de la tragedia se quemaron en el incendio que arrasó La Ranchería en 1792, por culpa de un cohete, disparado desde una iglesia cercana durante unas fiestas patronales que quemó el techo de paja y convirtió en escombros el galpón.

(Fuente: Luis Ordaz, Historia del Teatro Argentino, desde los orígenes hasta la actualidad)

ARRIBA EL TELÓN


Edipo rey, de Sófocles. Estreno el lunes 8. Intérpretes: Gonzalo Villanueva, Sergio Oviedo, Alicia Mezza, Alejandro Hodara, Luciano Linardi, Matias Taverna, Hernán Melazzi, Federico Luján, Tomás Raskin, Laura Perera. Música original: Félix Cristiani. Diseño de movimientos corales: Vera García. Diseño de vestuario: Humberto Costa. Realización de vestuario: Malvina Aranda. Diseño de iluminación: Viviana Foschi y Gonzalo Villanueva. Traducción en dominio público: Fernando Brieva Salvatierra. Adaptación del texto: Melina Perelman y Gonzalo Villanueva. Entrenamiento actoral: Maxi Libera; Puesta en escena: Gonzalo Villanueva. Asistencia de dirección: Ana Schauffele. Dirección: Viviana Foschi. Lunes 21 hs, en el Teatro del Abasto, Humahuaca 3549 (4865-0014). Entrada $ 20. Duración: 60 minutos.
Al nacer Edipo, el Oráculo de Delfos augura a Layo que el recién nacido le daría muerte y desposaría a su mujer. Layo, queriendo evitar semejante destino, ordena a un súbdito que mate a Edipo. Apiadado de él, en vez de matarlo, el súbdito lo abandona en el monte Citerón, colgado de un árbol por los pies. Así comienza la historia de Edipo, un hombre que trató inútilmente de enfrentar a su destino.

El paso de Santa Isabel, de Enrique Papatino, con Jorge Albella y Eduardo Leyrado. Vestuario y utilería Cecilia Larumbe. Escenografía Edgardo López Albarellos. Música original Martín López Azurmendi. Iluminación Gonzalo Calcagno. Asistente de dirección y producción ejecutiva Mariel Rosciano. Dirección Enrique Palatino. Funciones: viernes, a las 21.30, El Piccolino - Fitz Roy 2056 (4779-0353). Localidades $ 25.-
Luna es el vitalicio guardabarrera de un paso campero de vías de tren. Su casilla es mucho más que su lugar de trabajo, es su refugio y su abrigo. Su soledad viene paliada por una compañera idílica, a la vez bálsamo y fetiche. Un cuadro de Isabel Sarli. Luna la eleva a la santidad y comparte con ella cada día de su vida, y se encomienda a ella para cumplir bien su trabajo. También la protege de los mirones que viajan en tren. Pero la armonía que ha logrado encauzar se verá sacudida cuando reciba la visita de un supervisor que amenaza desbaratar su construcción.

42 CM, con Toni Ruiz, Laura González Miedan, Francisco Egido. Vestuario: Alejandra Soto, Romina Gutiérrez y Mariana González. Caracterización: Mariana Brizuela y Leandro Pérez Winter. Realización escenográfica: Hernán Ghioni. Iluminación: Adrián Grimozzi y Eduardo Pérez Winter. Asistente de dirección: Hernán Ghioni. Dramaturgia y dirección: Eduardo Pérez Winter. Funciones miércoles, a las 21, y sábados, a las 22.30, en la sala Silencio de Negras, Luis Sáenz Peña 663 (4381-1445). Localidades $20.
Quien sube al cuadrilátero está irremediablemente solo, solo frente a su oponente y frente al público. Por eso, el boxeo, como todo arte escénico, condensa cientos de horas de simulacro en un tiempo acotado que extenúa el cuerpo, cuerpo que es, a su vez, inteligencia y memoria. 1954. Poco antes de cumplir 31 años, el boxeador español Federico el Toro Sousa decide abandonar Madrid y viajar a la Argentina. Su destino, un borroso gimnasio del Gran Buenos Aires, lugar indicado para entrenar y seguir peleando. Un solo día en la vida de Sousa bastará para observar cómo la melancolía y los golpes alteran la memoria, y cómo esa distancia que separa el cuadrilátero del piso abre un abismo que desdibuja los límites entre lo real y lo imaginario.

Don Juan de acá (el primer vivo), por Los Macocos, escrita por Los Macocos y Eduardo Fabregat, y dirigida por Julian Howard. Diseño de arte: Marta Albertinazzi. Iluminación: Fernando Dopazo. Elenco: Los Macocos Daniel Casablanca, Martín Zalazar, Gabriel Wolf, Mónica D’Agostino, Paula Requeijo y Laura Silva. Músicos Lucas Ferrara y Pablo Bronzini. Asistencia de dirección: Guadalupe Bervih. De jueves a sábados, a las 19, y domingos, a las 18.30., en el Salón Dorado del Cervantes, Libertad 815. Boletería: 4816 4224. Localidades: de viernes a domingo: $ 20; jueves: $ 15.
Esta obra ya conoció este mes el aplauso del público de las ciudades de Rosario, Corrientes, Resistencia y Formosa, pues el Teatro Nacional Cervantes decidió estrenar esta producción en el marco de las giras de sus espectáculos por distintas localidades del país. La obra aborda el clásico mito, ubicando al personaje en tiempos de la Revolución de Mayo. "Con el mayor de los respetos… hicimos nuestra propia versión. Combinamos varios clásicos: Tirso, Molière, Mozart, Tres Chiflados, Zorrilla, Vaccareza, Boca - River, y siguen las firmas", explican Los Macocos con su particular humor.

Tercer cuerpo (la historia de un intento absurdo), de Claudio Tolcachir, con Ana Garibaldi, Daniela Pal, José María Marcos, Hernán Grinstein, Magdalena Grondona. Escenografía: Gonzalo Córdoba. Diseño espacial: Claudio Tolcachir. Iluminación: Omar Possemato. Asistencia de dirección: Melisa Hermida. Producción ejecutiva: Maxime Seugé y Jonathan Zak. Dirección: Claudio Tolcachir. Funciones: sábados, a las 23.15y domingos, a las 19.30 y a las 21.15, en Timbre 4, Boedo 640, timbre 4 (4932-4395). Entrada: $30.-
Cinco vidas, cinco deseos de amar, cinco personas incapaces. Mientras tanto se vive, se trabaja, se intenta. Miedo a no ser, miedo a que sepan quien soy. Miedo e incapacidad.
La historia de querer y no saber que hacer. La historia de un intento absurdo. Y subir las escaleras. Y querer vivir cada día a pesar de todo.

Feliz, obra ganadora de la Beca Jóvenes Coreógrafos de la Fundación Julio Bocca. Espectáculo coreográfico de Alejandro Ibarra, con Cecilia Estévez, Ariel Juin, Juanjo Marco, Esteban Provenzano y Florencia Viterbo. Sábados 6, 13 y 20 de este mes, a las 16:30, en el Auditorio del Centro Cultural Borges, Viamonte esq. San Martín (5555-5359). Entradas: $10 y $15.

Pedir demasiado, de Griselda Gambaro. Dirección de Guillermo Ghio, con los actores catalanes Marta Bayarri y Carlus Fábrega. (Cuatro únicas semanas, del 12 de septiembre al 5 de octubre). Funciones: Viernes, sábados y domingos, a las 21, en el Teatro Del Nudo, Corrientes 1551 (4373-9899). Localidades: $ 30.

A ciegas con luz (Estreno: 21 de septiembre). Autoría, dirección y producción general: Centro Argentino de Teatro Ciego, con la cantante Luz Yacianci, el pianista Carlos Cabrera y las delicias del chef Javier Aldape. Funciones: domingos, a las 21, en el Centro Argentino de Teatro Ciego, Zelaya 3006 (esq. Jean Jaures) (6379-8596). Web: http://www.teatrociego.com//t_blank; mail: http://ar.mc593.mail.yahoo.com/mc/compose?to=info@teatrociego.com/t_blank. Localidades: $ 100

MAGDA RECOMIENDA


GORDAS, Domingo 28 de septiembre, 20 hs, Centro Cultural Defensa, Defensa 535
Actriz: Natalia Marcet
Textos: Natalia Marcet
Arreglos musicales: Juan Sardi
Dramaturgia : Ana Woolf
Dirección: Ana Woolf
El espectáculo es una gran pregunta irresuelta sobre una adicción que día a día va cobrando sus víctimas mayormente en forma silenciosa. Es una autobiografía de una mujer que pasó por el infierno de una enfermedad "contemporánea" la bulimia/anorexia. Es la historia de un ser humano, que como tantos, al buscar la aceptación de su entorno entran en un camino de autoviolencia y autoflagelación en donde su imagen se pierde entre miles de imágenes y modelos sociales impuestas.

Viejitos chotos . Canciones de Jorge Schussheim interpretadas por Marikena Monti, con Martín Pavlovsky al piano. Libro: Patricia Zangaro. Arreglos musicales: Freddy Vaccarezza. Ambientación: Eduardo Bergara Leumann. Asesoramiento coreográfico: Ana María Stekelman. Vestuario: Mónica Mendoza. Asesoramiento físico: Susana Balech. Peinador: Daniel Calderón. Colaboración artística: Cecilia Gianotti. Iluminación: Omar Possemato. Dirección y puesta en escena: Alejandro Ullúa. En el Maipo Club. Duración: 60 minutos.
El nombre del espectáculo es el título de una de las muchas canciones de Jorge Schussheim que Marikena Monti interpreta en el pequeño escenario del Maipo Club, donde se recrea la atmósfera coloquial de quienes comparten una visión crítica y mordaz -tierna, también, a su modo- de la picaresca porteña, y una común historia de muchos años.


Subió la carne, de Argento, Pazos y Pesqueira. Intérpretes: Claudio Pazos y Francisco Pesqueira. Música original: Sergio Vainikoff. Voz en off: Karina K. Diseño de escenografía y vestuario: Mercedes Uría. Diseño de iluminación: Carlo Argento. Coreografía: Vivian Luz. Asistente de escenario: Hugo Proz. Asistente de dirección: Paola Figueroa. Puesta en escena y dirección: Carlo Argento. En la sala 2 de La Comedia (Rodríguez Peña 1062). Viernes y sábados, a las 23.30. Duración: 60 minutos.
Una serie de pequeñas situaciones van dando vida y alimentando este nuevo espectáculo del grupo Carne de Crítica. A través de cada una de ellas, los artistas Claudio Pazos y Francisco Pesqueira irán aportando una satírica mirada sobre ciertas crueldades que hacen al, a veces, muy cotidiano vivir de los argentinos. Los temas y los personajes que desarrollan están demarcados con trazos muy gruesos y será muy difícil no reírse de esos juegos delirantes que estos intérpretes recrean, porque la burla tiene una profunda ingenuidad y sus observaciones terminan resultando tiernas.

Stéfano , de Armando Discépolo. Intérpretes: Antonio Bax, María Sol Cintas, Silvia Dietrich, Carmen Luciarte, Andrés Molina, Jorge Nicolini, Raúl Ramos, Miguel Sorrentino. Escenografía y vestuario: Guillermo Cacace, Lala Celeznoff. Luces: David Seldes. Realización de vestuario: Emilia Martins. Música original: Patricia Casares. Asistente de producción: Julieta De Simone. Asistencia de dirección: Lola Banfi. Colaboración artística: Julieta Abriola. Dirección: Guillermo Cacace. En Apacheta Sala Estudio (Pasco 623). Viernes, a las 21. Duración: 70 minutos.
Guillermo Cacace se introduce con su grupo en el mundo de Discépolo con una profundidad tal que logra reconstruirlo con una notable pasión. Su labor de director es muy calificada. Reconoce que cada una de esas criaturas tiene un valor en sí mismo, que esas tres generaciones que aparecen retratadas en la escena sintetizan una porción de la realidad nacional de aquellos tiempos.

PARA AGENDAR

Dramaturgia de emergencia. Breviario de arte y oficio para la escritura teatral, dictado por Mauricio Kartún
Todos los martes de octubre, de 19 a 21. Costo total del curso: $60. Informes e inscripción en el teatro 25 de Mayo, Triunvirato 4444 (4524-7997).
Contenido: un compilado de objetivos detonadores: una clínica de dramaturgia de la que se pueda incorporar metodología productiva, y reflexionar sobre sus distintas claves. Operaciones técnicas de creatividad, concepción del personaje, dinámica de la acción, y diseño de la estructura para ser utilizados por dramaturgos, guionistas, escritores de narrativa, directores, actores, docentes o estudiantes.


Fábrica inaudita de sonidos, un colectivo de artistas, diseñadores y técnicos de diversas disciplinas (música, teatro, danza, artes plásticas, teatro de sombras y audiovisuales), dedicado a la creación de nuevos lenguajes para la puesta en escena de espectáculos multisensoriales, donde la composición sonora en sus diversos matices, soportes y posibilidades, es el vector del desarrollo conceptual de las obras.
Del Jueves 4 al domingo 7 de septiembre jornada completa
BAFIM (Buenos Aires Feria Internacional de la Música). Lugar: Centro Municipal de Exposiciones: Alt. Av. del Libertador 2200. Entrada libre y gratuita.
Laboratorio sonoro musical. En Concierto,
Presentación en vivo con músicos invitados: viernes 5, a las 20.30, en el escenario octagonal amarillo central con el nº 3.
La compañía estará con una instalación propia para promocionar y difundir sus espectáculos y actividades.
Viernes 12 y sábado 13 de septiembre, a las 20:30, en el Terraza del Centro Cultural Recoleta: Junin 1930. Entrada libre y gratuita
Informes: 4803-4052 / 15 6198 7241
Del 15 de septiembre al 15 de octubre
Ciclo de Seminarios y workshops
LIPM Centro Cultural Recoleta: Junin 1930, (dictados por los integrantes de Fábrica Inaudita de Sonidos)
Informes e inscripciones: 4803-4052 / 15 6198 7241
-Tecnología para músicos y productores en vivo
-Procesos Creativos
-Teatro de sombras, en búsqueda de una imagen poética.
-Introducción al diseño de vestuario en la producción artística.
-Diseño Sonoro y Composición musical
-Sonido para eventos multimedia: recitales,instalaciones,teatro y tv.
-Diseño Sonoro y Composición musical
-Procesamiento en tiempo real de audio y video
En estas producciones convergen diferentes componentes, tanto artísticos como tecnológicos: diseño sonoro y visual del espacio, sistemas de sonido sonido envolvente, música electroacústica, contemporánea, electrónica y popular, diseño y realización de instrumentos no convencionales, escenografías dinámicas, performance, teatro, video, fotografía, iluminación, artes visuales, artes plásticas, escultura, danza. Estos aspectos en su conjunto y sumados a la interacción con el público le confieren a los espectáculos desarrollados un carácter multisensorial con una identidad fuerte y distintiva.
El principal compromiso de Fábrica Inaudita de Sonidos es producir espectáculos innovadores, creativos y de alta calidad artística y tecnológica que despierten y movilicen la imaginación, las emociones y las sensaciones del espectador.
Ficha técnica
Laboratorio Sonoro Musical En Concierto + Músicos invitados
Batería, percusión y acciones físicas. Sombrista Iván Polacek
Batería, percusión y acciones físicas. Sombrista Ezequiel Peralta
Guitarras y acciones físicas. Sombrista Nahuel Larisgoitia
Bajo y performance Juan Manuel Drangosch
Guitarras, percusión, voces. Acciones físicas. Richard Arce
Teclados, controladores y sensores Fabián Kesler
Clarinete, violín, controladores y acciones físicas Esteban Insinger
Sombrista y Acciones físicas Thiago Bresani
Asistencia Técnica en Teatro de sombras y Puesta en escena Alejandro Szklar
Acciones físicas Victoria Ahualli, Valeria Rico, Micaela Barrale, Melina Marcow, Sole Cardigni
Visuales Kowalskivisuales
Creación y manipulación de video Ana Utrero
Música Original Richard Arce
Música adicional Fabián Kesler
Dirección General Richard Arce



III Festival Beckett
El domingo 7 de septiembre en el Centro Cultural Borges (Viamonte, esq. San Martín) dará comienzo el III Festival Beckett, con una programación original y novedosa y la participación de compañías extranjeras.
Más información en http://www.festivalbeckett.com.ar/.
Entrada: $ 20, estudiantes y jubilados: $ 15.

Programación:
Domingo 7, a las 19.30.
…Si un día feliz…. De Florencia Suárez Bignoli.
Tomando como base algunos textos de Beckett, este grupo recrea su atmósfera con tres personajes femeninos que no pueden alejarse de un juego infantil y macabro a la vez. Tres hermanas se encuentran sentadas en un sube y baja, y esperan a un ser que no se deja conocer, pero es tan fuerte esa necesidad de encontrarlo que se vuelve vital. Realizan sus hábitos comunes y rutinas insignificantes, para no pensar y protegerse de los aspectos más dolorosos de la vida, prefiriendo el aburrimiento de vivir al sufrimiento de existir.
Viernes 12, a las 22.30.
Final de partida, de Samuel Beckett
El Grupo de Teatro no Teatral presenta una novedosa puesta en escena de este clásico de la modernidad. Un espacio vacío, cargado de significados y múltiples interpretaciones, de pausas con universo propio, de adentro y afuera, de arriba y abajo, de amo y esclavo, de amor y de odio. Hamm y Clov, dos personajes que juegan, tal vez, a encontrar respuestas a muchos interrogantes, juegan a transitar la soledad infinita o quizás sólo esperan… significar algo.
Domingo 14, a las 19.30. Cortos y música.
Obra inversa. Grupo Musical.
Obra inversa nace de la necesidad de un grupo de músicos académicos de crear un espacio para componer un lenguaje propio. De la búsqueda de ese lenguaje surgieron obras que tienen múltiples influencias de la música antigua, popular y contemporánea y tienen como eje la no complejidad, la claridad y correspondencia entre texto y música, y la sensación de que siempre los instrumentos y las voces suenan "al lado" del oyente, como si no existiera espacio ni división entre el que toca y el que escucha.
Cortos. De Samuel Beckett. Y otros
Se proyectará Film, de Samuel Beckett, con la actuación protagónica de Buster Keaton, y cortos escritos y producidos en la Argentina inspirados en la obra de Samuel Beckett con actuaciones y locuciones de actores de renombre como Duilio Marzio y María Comesaña, entre otros.
Sábado 20, a las 22.30, y domingo 21, a las 19:30.
Mirá lo que hay que escuchar, de Patricio Orozco.
La compañía Beckett Impromptu presenta un espectáculo inspirado en las obras Not I y Play, escritas por Samuel Beckett, bajo la dirección de Patricio Orozco. El espectáculo se forma en torno a las voces y los sonidos que habitaron la Argentina desde 1810 hasta la actualidad.
Viernes 26, a las 22.30.
Colectivo NDC + 13 Días (España) Colectivo NDC es un grupo de intérpretes de danza y circo contemporáneo argentinos y españoles. Palo chino, clown, danza contemporánea y acrobacia combinada compondrán el diseño de rutinas y piezas de danza-circo. La compañía 13 Días (España) combina los lenguajes de las artes plásticas con las artes escénicas. Han realizado proyectos en diferentes áreas y presentado obras en festivales de teatro de calle (Fiestas de la Merce-Barcelona, Chatsworth Road Festival-Londres), galerías de arte (Zeitraum_ex!t-Mannheim, Alemania), carpas de circo (Shoreditch Circus Tent-Londres), y teatros (Centro Cultural Borges-Buenos Aires, Centro Cultural de Burlada-Navarra).
Trika fopte, del grupo Vuelve en Julio.
Kamta, Nattare y Rimsky son los habitantes de un mundo desolado donde todo cuesta dinero y esfuerzo. Incluso el aire que respiran. Cuando la situación se vuelve insostenible, cada uno de estos personajes puede sacar la peor de sus miserias para sobrevivir. La puesta propone un interesante juego teatral, donde el espectador debe desarrollar al máximo su capacidad de atención, dado el uso dramático del espacio y especialmente del idioma, deformado hasta convertirse en uno nuevo, no convencional. Los personajes, su mundo y circunstancias, se desarrollan en un clima "beckettiano" de desolación, distante y novedoso para el espectador.
Sábado 27, a las 22.30 y domingo 28, a las 19:30.
Happy days, de Samuel Beckett. (Londres)
Los integrantes de La Compañía, residentes en Londres, se presentarán con la obra Happy days. Se trata de una construcción teatral despojada hasta su más íntima esencia. En ella se asiste a la extinción gradual del lenguaje, del cuerpo y de la mente. El profundo y lúcido humor del escepticismo hace de esta pieza una celebración de la lucha cotidiana del existir, exaltándola hasta denunciar lo absurdo de vivir a la espera de un sentido. Viviana Lombardi protagoniza la obra dirigida por Sergio Amigo y Luis Gayol. Esta obra se presenta en idioma inglés. No hay subtítulos.


5 días de Teatro y Espectáculos. Jornadas de CapacitaciónActividad libre y gratuita Requiere inscripción previa
Del 1 al 5 de septiembre, a las 13.15, en Jean Jaurés 932 Auditorio
La Universidad de Palermo propone nuevamente un espacio para la reflexión y la práctica escénica: "5 Días de Teatro y Espectáculo". Este ciclo ha sido generado como un lugar donde se reflexiona sobre la creación, su proceso, problemáticas, quehaceres, etc. a través de diferentes áreas del hecho teatral y por medio de personalidades del quehacer artístico, para transitar las preguntas que hoy componen la creación artística. Desarrollándose cada día una temática específica donde los especialistas aportarán sus experiencias, oficio, pensamiento y elecciones estéticas.
"5 días de Teatro y Espectáculo" se organiza dentro del marco de la Facultad de Diseño y Comunicación en el área de la Licenciatura en Diseño de Espectáculos, y busca acercar la práctica profesional al ámbito universitario estableciendo un vínculo con la comunidad en general.
Temas
-El actor frente a la interpretación. Proceso de creación. (1º de septiembre)
-Elementos visuales en la escenificación. El espacio escénico (2 de septiembre)
-Sexo, cabaret y sensualidad. El universo erótico en el espectáculo (3 de septiembre)
-De la trama a la pantalla. La construcción de la ficción (4 de septiembre)
-Opera: Arte y Pasión. (5 de septiembre)
Participan: Luciano Cáceres, Mariana Tirante, Laura Novoa, Katja Alemann, Osqui Guzmán, Alejandro Tantanian, Roberto Carnaghi, Mariela Asensio, Héctor Calmet, Alejandro Casavalle, Norberto Laino, Josefina Lamarre, Alberto Bellati, Mario Schajris, Claudio Meilán, Pablo Cullel, Adriana Lorenzón


Técnicas de improvisación, trabajo físico y filosófico
El Complejo Teatral de Buenos Aires, Teatro San Martín, presenta a Marie Bardet (Francia), que realizará en septiembre el seminario "Lecturas sensibles: Técnicas de improvisación, trabajo físico y filosófico"
El seminario girará en torno a la experimentación, desde un trabajo físico sobre la percepción sensible, de las técnicas de improvisación ("composición instantánea"), lo que sería la presencia en un escenario, en el cruce con la problemática del presente en textos filosóficos.
Está destinado a personas interesadas por las artes del movimiento (danza, teatro, etc.). No se exigen requisitos específicos.
El seminario se realizará el 2, 3, 4 y 5 de septiembre de 18 a 21, en el Teatro San Martín. Está abierta la inscripción, de lunes a viernes de 15 a 19, en la Oficina de Cursos del Teatro San Martín (Avenida Corrientes 1530, 7º piso, Tel. 4371-0111 al 8, int. 324). Precio del seminario: $75.- Vacantes limitadas.
Marie Bardet
Desde el inicio de sus estudios, conjuga una formación universitaria en Filosofía contemporánea y Estética, con una formación en Improvisación en danza (con Julyen Hamilton) y Técnicas somáticas (Feldenkrais). Actualmente desarrolla su investigación tanto en filosofía, preparando su Tesis de Doctorado en Filosofía sobre el concepto de inmediatez desde Bergson y la danza improvisada, en cotutela entre la Universidad de
Paris 8 (Francia) y la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires (Argentina), como en danza, durante una residencia de artista. Entrelaza estos dos campos de investigación en la docencia en su cargo en la Licenciatura del Departamento de Filosofía, en el de Danza de la Universidad de París 8 y en talleres de improvisación.

TEATRO EN LETRAS

Poemas de amor y otros poemas de amor, de Alfonsina Storni. Selección y prólogo: Guillermo A. Storni. Semblanza: Alejandro A. Storni. 160 páginas. Editoral Losada. P. V. P. $ 24.-

Losada presenta, en conmemoración del 70.a aniversario del fallecimiento de Alfonsina Storni y del nacimiento de la Editorial, este volumen, que reúne Poemas de amor (1926), poesías de obras anteriores y una selección de prosa no publicada en libro. Con el prólogo de su nieto Guillermo A. Storni, semblanza de su hijo Alejandro A. Storni y el diseño de tapa de su bisnieto Guillermo Storni (h), se rinde homenaje a Alfonsina, quien, con su escritura instaura, en las letras argentinas, la impronta en la lucha por los derechos de la mujer, y la necesidad de expresar los sentimientos, deseos amorosos y frustraciones, en una época en la que debió cuestionar a la moral dominante.


Teatro, la revista del Complejo Teatral de Buenos Aires, No. 95, agosto de 2008. Esta nueva edición incluye: Evocación histórica de la época de Pepino el 88 y su audiencia, por Bernardo Carey; Fragmentos de sus memorias, por José Podestá; Vida y andanzas de un personaje: del Picadero al escenario, por Raúl H, Castagnino; Conversación con Daniel Suárez Marzal, director de Pepino el 88, por Gabriela Borgna. Sobre Los últimos felices: El proceso creativo de Paco Jiménez y La Noche en Vela, por Federico Irazábal; El testimonio de Beatriz Sarlo. Sobre Archivos, de Vivi Tellas: Crónica de los ensayos, por Sonia Jaroslavsky; Conversación con la directora. Greta y Gaspar, la nueva creación del Grupo de Titiriteros del San Martín, por Ana Longoni; María Elena, un espectáculo de La Galera, por Ariel Dilon y otros temas de cine, publicaciones, etc.

ESCENA INTERIOR


VIII ENCUENTRO DE LA RED NACIONAL DE PROFESORES DE TEATRO

II FORO INTERNACIONAL11, 12 y 13 DE SEPTIEMBRE
2008- ROSARIO- SANTA FE- ARGENTINA
Organizan:
Red "Dramatiza"/Universidad Nacional de Rosario/ Escuela Provincial de Teatro y Títeres de Rosario
Auspician:
Ministerio de Educación de la Provincia de Santa Fe/ Ministerio de Innovación y Cultura de la Provincia de Santa Fe/Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de Rosario/ Instituto Nacional del Teatro
Destinatarios:
Docentes de las disciplinas escénicas en general y teatral en particular de todos los niveles de la educación/ Estudiantes de pedagogía teatral y afines/Docentes de áreas artísticas/ Directivos de establecimientos educativos/ Teatristas
Objetivos generales:
-Fortalecer una red solidaria, participativa, democrática y flexible de intercambios de diseños y experiencias didácticas teatrales a través de la discusión, reflexión y síntesis
-Profundizar mediante estrategias diferentes la construcción de una conciencia teórica y práctica de la enseñanza teatral
-Integrar artistas y docentes teatrales y construir espacios formales y flexibles de encuentro entre las profesiones artística y docente
-Contribuir al proceso de formación docente continua por medio de actividades de capacitación específicas
-Generar espacios de reflexión sobre problemáticas de los estudiantes no sólo de las disciplinas artísticas sino también de las pedagógicas vinculadas con el arte escénica
Temáticas posibles (no excluyen otras):
Diseño didáctico del teatro en ámbitos formales y no formales/ Técnicas de Actuación y sus didácticas/ Teatro y discapacidad/ Integración de lenguajes y técnicas artísticas/ Enseñanza y práctica teatral en contextos carcelarios/ Relación contenido disciplinar-transposición didáctica/ Relación nivel de enseñanza-estrategias didácticas/ Problemáticas de secuenciación de contenidos/ Teatro y Salud/ Teatro y Comunidad/ Actividad teatral en espacios no-convencionales/ Enseñanza-aprendizaje de técnicas de títeres, expresión corporal y especies circenses/ Estrategias en la escuela de formación de espectadores/ La actividad teatral en el contexto de la Nueva Ley de Educación
ActividadesTalleres/Ponencias/Conferencias/Plenarios/Clínicas/Espectáculos
Para más información: encuprofteatro2008@yahoo.com.ar

Feliz 2020