MUJERES SOBRE LAS OLAS

Ana Woolf
Proyecto Magdalena
una red internacional de mujeres en el teatro contemporáneo
Del 8 al 18 de enero del 2005 se llevó a cabo en Santa Clara un encuentro muy particular: Magdalena sin fronteras, organizado por Roxana Pineda con la estrecha colaboración de su grupo Estudio Teatral (*). Este evento se inscribe dentro del contexto del Magdalena Project, Red Internacional de Mujeres en el Teatro Contemporáneo, creada en Gales, en1986, por Jill Greenhalgh ( http://www.themagdalenaproject.org/ ).
Soñar un evento de este tipo en Cuba era ya una utopía. Y como toda revolución ha comenzado como un sueño al que luego se le supo dar materialidad, convertirlo en acción. Fue un evento realizado en una ciudad no capital y fuera de un contexto oficial, cuya total responsabilidad recaía en una mujer, Roxana, y en su grupo teatral.
La nota que sigue es tomada de mi ponencia en el foro cuyo tema era "Magdalena sin fronteras. Embriones en libertad".
Al llegar a la sala del Estudio Teatral a las 8.30 de la mañana, pensaba comenzar mi charla contando que cuando recibí el título del foro estaba en Argentina donde se llevaban a cabo una serie de eventos, uno detrás del otro, que se me aparecían ligados estrechamente a este tema: había regresado de Dinamarca (lugar donde vivo) en un momento en que Buenos Aires vivía una agitación que podría llamar socio-sexual. Por un lado en el Congreso de la Nación se discutían dos leyes de educación sexual, y si ésta debiera pasar por las escuelas o por los hogares. Se llegó a la decisión final de posponer la discusión hasta el año que viene. Por el otro lado llegaba al puerto de Buenos Aires un barco holandés, parte del proyecto elaborado por Rebecca Gomperts "Women on Waves" (http://www.womenwaves.org/). Su misión es brindar información a las mujeres para prevenir embarazos no deseados; reducir los sufrimientos físicos y/o psicológicos y las muertes debidas a los abortos ilegales; movilización y apoyo para la liberación de las leyes de aborto en todo el mundo; información sobre el suministro de anticonceptivos; asesoramiento sobre enfermedades de transmisión sexual, etc. En el barco, anclado en aguas internacionales, se realiza el aborto en forma legal y aséptica. En un país como la Argentina, en donde el aborto no es legal esto se transformaba en un peligro latente que horadaba un sistema que prefiere mantener en el silencio de la ilegalidad la misma realidad que está negando. La doctora fue bombardeada por incidentes, gritos, y actos de violencia organizados por grupos conservadores y católicos quienes ya habían reaccionado ante las leyes de educación sexual.
¿Por qué empezar de esta manera una charla en un contexto teatral? Por que para mí tiene mucho que ver con una Red de Mujeres en el Teatro como la del Proyecto Magdalena, en donde he logrado personalmente concretar mi utopía acerca de la unión del teatro, mujer y política.
Embriones - Magdalena - Fronteras - Libertad
Yo soy un embrión del Magdalena Project y veía delante de mí a mis nuevos embriones: los alumnos y alumnas de la Escuela de Bellas Artes de Santa Clara con quienes habíamos compartido un taller de cuatro días. A ellas-ellos quise contarle mi historia.
No creo que los embriones puedan ser libres. Es un engaño retórico, una paradoja: no existen embriones en libertad, biológicamente es imposible. Placenta, líquido amniótico cordón umbilical componen el contexto del embrión, protegiéndolo e incorporándolo a un universo que se ajusta a reglas biológicas y genéticas. Un embrión necesita de reglas, de contexto, de alimentación progresiva y gradual para poder en un futuro transformarse en un ser si no libre al menos autónomo. No creo tampoco en la palabra "libertad" tan bastardeada en nuestro continente latinoamericano. Diré entonces "autonomía".
Proyecto Magdalena significa para mí Teatro, Mujer y Política; o Teatro, Mujer Política; o Mujer que a través del Teatro puede realizar una acción política. Siempre es teatro y siempre mujer. No repito la palabra ‘política’ porque el teatro es para mí una acción política que debe poseer dos cualidades o poderes: la metáfora y la belleza. Una acción teatral/política (y no solamente política sin teatral) debe poseer el poder de la metáfora y tener la cualidad de ser bella, encerrada dentro de propiedades estéticas.
En 1995 conocí por primera vez a Jill Greenhalgh (Gales), Julia Varley (Odin Teatret, Dinamarca) y Geddy Aniksdal (Grenland Friteater, Noruega). Este encuentro fue determinante. A mí, argentina, porteña, y criada en un país en donde el asado lo hacen los hombres, la ensalada las mujeres y el tango es uno de los bailes nacionales, me mostraba otra cara del "feminismo". Estas mujeres se asomaban ante mis ojos con la fuerza del feminismo anclado en una presencia contundente como la de Jill Greenhalgh quien con su entrenamiento de bastones exigía un estar aquí y ahora en constante riesgo de recibir el bastón en la cabeza al primer descuido. Con su incesante pregunta que martillaba mi cuerpo: "¿Qué querés? Sí, pero vos ¿qué querés?" Era la imagen de un feminismo anclado en una presencia fuerte, insinuada en la vulnerabilidad de la voz como la de Julia Varley, quien luego no sólo se convirtió en mi maestra, sino que me demostró que es posible encontrar nuestra habla personal también a través de y a pesar de nuestro temblor; y anclado en una presencia provocativa y desafiante como la de Geddy Aniksdal, quien por ese entonces estaba pelada, y, como siempre, tenía sus tatuajes en el cuerpo. Recuerdo que la gente se daba vuelta para mirar a "esa mezcla rara de..." que caminaba por "las callecitas de Buenos Aires que tienen ese no sé qué..."
Estas mujeres se transformaron en "mis" locas, primer calificativo con el cual muchas personas de mi entorno (y de mi "extorno") las denominaron, así como lo habían sido y siguen siendo para mí las Madres de Plaza de Mayo. A las "locas" de Plaza de Mayo se sumaban las "locas" del Magdalena; ambas, cada una en su espacio, escribiendo la historia de una revolución sin armas, pacífica, basada en el culto a la memoria, en la persistencia y resistencia de pequeñas acciones personales.
Luego de este primer encuentro hubo muchos otros, pero fue en 1997, en Transit, evento organizado por Julia Varley en Dinamarca, en la sede del Odin Teatret, que conocí la red y miré alucinada a las demás mujeres: Patricia Ariza de La Candelaria, con sus raperos con quienes ella había construido un proyecto de vida a través del teatro, con sus historias de teatro hecho por prostitutas, travestis, ancianas y los niños de Urabá, con su vida política marcando su piel y su mirada. Allí fui sacudida por la belleza dolorosa de la voz de Brigitte Cirla (Francia, http://www.voixpolyphoniques.org/), quien me enseñó que no existe el "desafinar", que esto es sólo un concepto para mantenerme en el silencio, que esta "desafinación" también puede ser un lugar para mi voz. Luego vinieron Sally Rodwell y su marido Alan Brunton (nuestro primer Magdaleno(*) y Madelaine McNamara a quienes conocí organizando uno de los encuentros inolvidables de la historia del Magdalena, realizado en Nueva Zelandia, Magdalena Aotearoa. Deborah Hunt (Nueva Zelandia-Puerto Rico), corriendo con sus baúles llenos de máscaras y proyectos, con inscripciones en donde se leía: "Yo no soy un cuerpo". Cristina Castrillo (Teatro delle Radici, Argentina-Suiza) quienes me ayudaron a leer de otra manera la historia de mi propio país; María Ficara (Teatro Proskenion, Italia,) una gran mamá en un pueblo de marineros, trazando líneas transversales; y mis nuevas mujeres: Ana Correa, abrumadora trabajadora sobre todo solitaria; Roxana Pineda a quien conocí personalmente al llegar a La Habana ahora en enero, representante de una segunda generación de Magdalenas dispuesta a demostrar que se pueden realizar encuentros sin celulares y sin internet velocidad ADSL. Roxana demostró que aún vale la pena enfrentarse con molinos de viento porque ellos encierran la simiente de un futuro pan casero.
Las mujeres del Magdalena me enseñaron y obligaron a tener un cuidado especial con las palabras. Una de las obsesiones de Jill y de Julia es buscar no nuevos sentidos sino palabras nuevas que puedan expresar de otra forma conceptos como dirección o democracia. Las palabras en este universo tienen un peso, un valor y somos responsables de su enunciación.
Muchas veces al terminar un encuentro de presentación del Magdalena Project, Julia hace una ronda en donde cada una debe poner en palabras un sueño que le gustaría cumplir. Una vez enunciado, escuchado, puesto en palabras, se debe asumir el compromiso de concretarlo. Si como decía Segismundo "la vida es sueño y los sueños, sueños son", diría con Julia: "la vida no es sueño y los sueños acciones son". Muchos eventos del Magdalena han comenzado en estas "peligrosas" rondas de Julia.
No encuentro la palabra
¿Qué es el Magdalena Project? Un grupo de mujeres que no son un grupo. Un grupo de mujeres que trabajan no sólo sobre el escenario, como actrices, directoras, sino que también muchas de ellas forman parte de grupos de teatro en los cuales además organizan, venden sus proyectos, su trabajo, escriben, programan encuentros... Son mujeres marcadas, a pesar del trabajo grupal, por una gran soledad. Como se ve en las demostraciones de trabajo de Ana Correa o Julia Varley, son mujeres a quien nada les fue dado gratuitamente en este mundo teatral. Ningún espacio se abrió sin la obstinación y el empeño del cuerpo, de las manos y de los pies. Son mujeres de distintas nacionalidades, edades, culturas, que encuentran en el espacio del Proyecto un universo de relaciones personales que se construyen con el trabajo cotidiano e individual, no sólo en sala teatral sino también a través de formas que cada una va encontrando en la medida en que establece los vínculos.
El proyecto Magdalena es una red, un espacio de relaciones interpersonales, construidas a través del tiempo, que no se puede ni acelerar ni inventar. El tiempo permite fortalecer un oficio que es el teatral. El centro esta allí. Es también una gran fuente, una gran matriz de referentes femeninos, que se construyen a través de actos concretos como la pedagogía.
He sido formada en distintas técnicas teatrales, pero también dentro de un contexto como el del Magdalena que me permitió adquirir y clarificar mi discurso y mis visiones a través de una relación pedagógica constante, en sala, con charlas, cartas, y con mujeres como Julia Varley que se han tomado y se toman el tiempo para formarme. Es este cordón recibido como herencia el que sin obligaciones apriorísticas, sin condicionamientos y sin regulaciones (nadie podría expresar claramente una regla del Magdalena porque pareciera no haberlas), el que me siento obligada a continuar y transmitir a mis alumnos y alumnas. Es en la recuperación de esta relación personal, de este vínculo cuerpo a cuerpo por donde pasa un verdadero cambio.
Mi mamá es maestra, y me contó que en la época de Perón fue sacada de su escuela en la ciudad y enviada (aparentemente por ser judía) a trabajar en el monte de una provincia argentina, Santiago del Estero. Llegaba a pie, a dedo o a lomo de mula. Les tomaba la mano a sus alumnos que sujetaban la lapicera en sus manos y ambos escribían cada letra del abecedario. Enseñaba así, cabeza a cabeza, y la primera cosa que sucedía era que se contagiaba los piojos de sus niñitos y niñitas. Muchos años más tarde asistí con ella al 50º aniversario de su escuelita de campo. Sus alumnos eran ya hombres y mujeres grandes, muchos de ellos mayores que ella. Todos la llamaban señorita Beatriz y se reían de la cantidad de piojos que mi mamá había "ligado" con su forma de enseñar. Esta es la imagen que tengo de aquella enseñanza. Esta es la imagen que busco cuando enseño, cuando aprendo.
Es en la recuperación de este cabeza con cabeza donde los embriones aprenderán no a ser libres sino y por sobre todo autónomos. En donde se conjurará el riesgo de que un embrión se vuelva engendro.
No encuentro la puerta
¿Cómo se entra? Esto es divertido. No se puede entrar al Magdalena simplemente porque no hay puerta. También podría decir que no basta con ser mujer y hacer teatro para estar en este espacio Magdalena, tal vez cibernético la mayor parte del año. Hoy tenemos una página web y no una oficina con dirección postal. No obstante podría decir que una puede descubrir la manera de construirse la propia puerta de entrada.
Aquí están presentes algunas puertas que se han construido: Magdalena Pacífica, Magdalena Aotearoa, Magdalena sin Fronteras, Magdalena 2ª Generación y Magdalena Latina, Magdalena Singapur, Transit, Voix de femmes, y tantas otras manifestaciones de una misma raíz en la Argentina, Dinamarca, Nueva Zelandia, Estados Unidos, Colombia, Cuba, Filipinas, España, Italia, Australia...
En 1998 se realizó en Ayacucho, Perú, uno de los encuentros de teatro de grupo organizado por Mario Delgado y su grupo Cuatrotablas. Como siempre pasa en medio de una vorágine de actividades vimos con Julia la posibilidad de organizar una mínima reunión para presentar al Proyecto Magdalena. La hicimos a las 7 de la mañana, una hora antes de que las actividades oficiales empezaran. Hasta ese entonces, yo había ya organizado un encuentro de mujeres en Buenos Aires y en Mar del Plata pero aún no había encontrado mi puerta, mi razón profunda y verdadera de por qué necesitaba estar en el Magdalena. Una vez más, al finalizar la ronda de presentación, Julia pregunta por el sueño personal. La mayoría de las mujeres allí presentes no podían hablar y sin embargo querían hacerlo. Tenían un nudo en la garganta, los ojos llenos de lágrimas, sabían con qué soñaban pero algo les impedía lograr ese pasaje a la palabra. Julia decía "Deja a la otra ahora, luego volvemos a tí" y ellas "No, no, ya... ya...." Supe entonces que quería trabajar para el Magdalena y con mujeres porque no deseaba ver nunca más mujeres que lloraban y no podían hablar. No importa el llanto -esto lo aprendí con los años- se puede hablar también llorando, pero llorar porque no se puede hablar, esto es lo que yo no quería ni quiero volver a ver. Y lo vi en esas y también en otras mujeres de diferentes países, de diferentes culturas... Allí y en otros muchos encuentros, también en Cuba.
Y¿la frontera?
Yo no quiero fronteras entre el sueño y la expresión del mismo, entre la expresión del mismo y su realización. Las mujeres nombradas acá y otras tantas anónimas, vistas y aún sin conocer, son y fueron esenciales para mí. Esenciales porque cada una a su forma y con su ejemplo me han permitido atravesar fronteras que estaban allí puestas para mí, por mí para ser atravesadas.
No heredo reglas. No heredo ni una moral ni una ética general. Heredo una mirada, una forma de cuidar relaciones personales, detalles, acciones mínimas, las más pequeñas y hasta aquellas que parecen absolutamente inobservadas y no esenciales, innecesarias. Heredo una responsabilidad de asumir lo que se dice. Heredo visiones de trabajo hecho en horas y años de soledad, en oficinas inventando un Proyecto Magdalena (Jill), en salas para mejorar la calidad artística de cada una (todas), en papeles como The Open Page (Julia, Geddy, Gilly, Maggie) para volver concreto el deseo de que la historia del teatro pase también por una reflexión activa y escrita por mano de mujer. Heredo una enseñanza de que las luchas internas pueden ser muchas, pero si el fundamento del encuentro tiene objetivos en común se sobrevive y se continúa caminando.
Estoy "adentro" del Proyecto no porque encontré ni una puerta ni porque alguien me haya invitado, sino porque necesito de este proyecto para seguir caminando mi oficio que es el teatro. Entonces, tal vez, descubriendo qué es lo esencial para mí, las fronteras se disuelven, caen los muros. La isla no es una tierra aislada porque llegaremos a caminar sobre las aguas.
Y como le dije a mis alumnos y alumnas cubanas: ojos abiertos, panza dura que el espacio es denso, para que no nos rompamos en el camino, con una acción precisa, una intención clara, metafórica y bella. Entonces, nadie podrá expulsarnos de ningún lugar, de ningún teatro, de ningún paraíso.

MAGDALENAS TRABAJANDO

Natalia Marcet
vuelve a presentar su espectáculo Gordas, en la ciudad de Navarro el 8 de julio, a las 20.30, dirigido por Ana Woolf, la propuesta es una gran pregunta irresuelta sobre una adicción que día a día va cobrando sus víctimas mayormente en forma silenciosa. Es una autobiografía de una mujer que pasó por el infierno de una enfermedad "contemporánea" la bulimia/anorexia. Es la historia de un ser humano, que como tantos, al buscar la aceptación de su entorno entran en un camino de autoviolencia y autoflagelación en donde su imagen se pierde entre miles de imágenes y modelos sociales impuestas.
Gordas fue finalizada en Holstebro, Dinamarca y pre-estrenada (como trabajo en proceso) allí, en la sede del Odin Teatret. Fue declarada de Interés Cultural, por la Municipalidad de General Pueyrredón, y de Interés Educativo por la Municipalidad de Navarro, Provincia de Buenos Aires
Su estreno oficial fue el 22 de junio en Mar del Plata, en el Centro Cultural El Séptimo Fuego donde se mantuvo en cartel durante todo el año para público en general y Colegios Nivel Polimodal. Realiza también giras en la Provincia de Buenos Aires (Puan, Darregueyra). Fue invitada al Festival Por Mujer en Posadas, El Dorado, Misiones. Realizará una gira por Obera en el marco de la apertura de la Sede de la Red Magdalena Segunda Generación y fue invitada al Festival del Monologo Cuba 2009
Natalia Marcel es egresada de la EMAD (Escuela Municipal de Arte Dramático, Mar del Plata), profesora de Piano (Conservatorio Santa Cecilia), toca acordeón a piano y básico de percusión, instructora de Gimnasia Rítmica Expresiva (Sistema Mildermann). Se formó teatralmente con Roberto Palandri , Cristina Banegas. Lorenzo Quinteros. Ricardo Bartis. Hace formación corporal del Método GRE (Susana Mildermann ) en Capital Federal con, Susana Mildermann, y Formación en Sistema Mildermann con Elisa Sartota ( Mar del Plata ).
Desde 1997 trabaja en profundidad un training físico personal donde mezcla elementos del Sistema Mildermann, el flamenco, el Tor-Ball (deporte para ciegos), la plástica griega, en busca de los principios básicos de la escena.
Realiza estudios de formación en el extranjero con Ana Woolf, Julia Varley (Odin Teatret), Geddy Aniksdaal (Grenland Friteater, Noruega ), PETA (Proyecto Pedagógico Educativo de Filipinas ), Deborah Hunt (Puerto Rico/Nueva Zelanda), Sally Rodwell (Red Mole Nueva Zelanda) Tae-ti Itirawa Nepia (Lucha Maorí Poi Dances), Augusto Omolú (Odin Teatret, Candomble)
Becaria de Magdalena Aotearoa (Nueva Zelanda) 1999.Festival Internacional de Mujeres en Escena. Festival Internacional Paekakariki (convivencia con Comunidad Maori donde toma seminarios de hakas y poi dances)
Participa en seminarios de formación a cargo de Julia Varley, Rally Rodwell, Deborah Hunt, PETA (Filipinas)
Becaria del Odin Teatret para participar en Ageless the Dance of God and Masks en 2005.
Participa de la Festugge 2005 Odin Teatret , como bailarina ,actriz y asistente de Dirección de Paradas Callejeras a cargo de Julia Varley
Becaria del Primer Llamado de Becas y Ayudas .Secretaria de Cultura de la Nación .2005
Formación con César Brie (Teatro de Los Andes)
Tournee de formación y montaje de espectáculo con Ana Woolf: Francia (La Friche ,Marsella) Universidad de Niza, Odin Teatret (Dinamarca) Teatro Di Terra (Velettri ) y Roma (Universidad de La Sapienza )
Formación con Else Marie Laukvik (Odin Teatret )

ALGO PARA RECORDAR

Orfilia Rico
Uno de los factores que integran la vida teatral de fines del siglo XIX y principios del XX, fue, naturalmente, el interpretativo: la formación y la acción de figuras relevantes de la escena. Desde la aparición de aquella gran intérprete de la escena dramática nativa que se llamó Trinidad Guevara muchas han sido las actrices que mostraron su sensibilidad y en ocasiones su talento en nuestro teatro. Lea Conti fue la heroína, durante un largo lapso, de las obras que ofreció el elenco de los Podestá. En ese elenco se formaron, sobre el mismo escenario, artistas como Blanca Podestá, cuya inquietud la mostró no sólo animando personajes principales de Sánchez, Laferrère, García Velloso o Sánchez Gardel, sino, también, haciéndose cargo, con su recio temperamento, de las protagonistas del teatro universal más significativo: Andreiev, D’Annunzio, Shaw, etc.
Muchas fueron las actrices que aparecieron y se impusieron, aún aquellas que llegaron de distintos géneros (el circo, la zarzuela y el "género chico" hispanos), en esa primera década del siglo que se cerró con la muerte de Florencio Sánchez.
Orfilia Rico (a quien Sánchez le dijera, luego de verle dar vida a la doña Mariquita de M’hijo el dotor: "Usted no es doña Orfilia; usted es la vieja que yo había inventado para mi obra") fue, sin embargo, la actriz por antonomasia de Gregorio de Laferrère.
La Rico, que así fue para nuestro teatro durante muchos años, había nacido en Montevideo el 5 de abril de 1871. Era hija de Carlos Rico y Lorenza Barone, ambos artistas de compañías españolas que actuaban habitualmente en ambas márgenes del Plata. Contaba pocos años de edad cuando apareció por primera vez en escena. Ya casada con Emilio Goycochea se trasladó a Buenos Aires y participó con su madre en el conjunto de "género chico" que dirigía Julio Ruíz.
Al inaugurarse en 1893 el teatro Mayo (Avenida de Mayo esquina Lima, hoy desaparecido), en la compañía que encabezaba Mariano Gale (como primera actriz, figuraba Matilde Espinosa, más tarde esposa del gran actor hispano) se encontraba Orfilia Rico integrando el elenco. Desde el comienzo de su carrera se interesó por los papeles de característica. "Eran los roles de actriz de carácter -manifiestaba- los únicos que me hacían encariñar con la labor dura e ingrata de la artista dramática, y los aceptaba ufana." Al dejar la escena hispana e integrar el conjunto de Jerónimo Podestá, se incorporó definitivamente al plantel de la escena nativa. Numerosas fueron las interpretaciones sobresalientes realizadas por la Rico a lo largo de su magnífica carrera, pero su arte personal y de tan directa comunicación con el público se impuso, de manera decisiva, al animar los prototipos de Laferrère. Luego los reiteró hasta el hartazgo, con mayor o menor resonancia, más es con ellos que afirmó su bien merecida fama. Según los comentarios de la época, resultaban inolvidables las caracterizaciones de doña Lucia, en Jettatore! y doña Cristina, en Los invisibles, aunque la composición de mayor envergadura la logró, y concordó toda la crítica, al animar las diversas facetas de doña María, el complejo personaje de Las de Barranco. Habría que tener presentes otras personificaciones notables: la nombrada doña Mariquita, de M’hijo el dotor, de Sánchez; la Luisa, de La gaviota, de Nicolás Granada; Mamá Culepina, de Enrique García Velloso; doña Pancha la brava, de Alberto Novión; doña Dorotea, de Las d’enfrente, de Federico Mertens, y tantos otros papeles a los cuales ella siempre dio vitalidad y relieve extraordinario con su tan vigorosa como simpática personalidad. Sin embargo, ninguno ha dejado en nuestra historia escénica la aureola de la viuda del Capitán Barranco, tanto por el trazado físico del personaje como por la destreza con que la Rico jugaba las distintas escenas culminantes de la obra.
Tras una enfermedad que la tuvo alejada durante largos años (desde 1922) de su soñado escenario, Orfilia Rico falleció el 10 de octubre de 1936.
Fuente: Historia del Teatro Argentino, de Luis Ordaz

ARRIBA EL TELÓN

Cronotópica - Grupo El Entre.
Multirealidades en un mismo tiempo y espacio. Domingos 6 y 13 de julio- 20 hs. dentro del Ciclo de Danzas COCOA - 10 años. Teatro Manufactura Papelera - Bolívar 1589 Compartimos el espacio con la obra "Desayuno". Precio entrada: $20 o $15 para estudiantes y jubilados.
Mi abuela Rosa tenía la falange del dedo meñique en escuadra. Con el mismo dedo de la otra mano formaba la mitad de un cuadrado con los que marcaba y construía cientos de ravioles para ser "devorados" por nosotros: los seis hermanos, mis padres y amigos ocasionales. Ella exclamaba ¡Tanto trabajar, para que desaparezcan en 5 minutos!!. El Entre, después de un año y medio produjo una obra que desaparecerá en el aire solo en 27 minutos! Te invito al banquete!!.

El cebadal azul
El jueves 3 de julio, a las 20:30. Performance poética sobre textos de Atahualpa Yupanqui, a cargo de Fabiana Rey. En El Arte de Fluir, Olleros 3804 ( Esq Roseti), 4833.0720/15.4493.7590. Entrada $ 12. Barra económica -beber y comer- para los amantes de la poesía.
Sinopsis: El cebadal azul es un sueño, una ensoñación de las penas, que volviéndose naturaleza, lima sus asperezas. Y es a la tierra con sus ramas más viejas. Resurge como un ave y atraviesa las nubes en sus formas más bellas. Y en soñante vuelo, los pájaros...Duermen...En el sonido más amado por ella.

Destino de dos cosas o de tres
De Rafael Spregelburd, dirigida por Marcelo Velásquez. Intérpretes: Mariano Karamanian, Yazmín Schmidt y Alejandro Rozenholc. Diseño y realización de escenografía: Fernando Leiva. Diseño de iluminación: Pehuén Stordeur. Diseño y realización de vestuario: Verónica Corizzo. Música original: Andrés Burecovics. Asistente de escena: Hernán Rozenholc. Asistente de dirección: Verónica Corizzo. Duración: 50 minutos. A partir del 11 de julio, los viernes, a las 21.30. Entrada general: $25. Estudiantes y jubilados: $18 Sala: Del Borde Espacio Teatral, Chile 630 (4300-6201).
Sinopsis: En una estación de tren, como cualquiera o como ninguna, dos seres, un hombre y una mujer, se encuentran y nacen al mundo. Desde sus miedos e inseguridades, desde sus mandatos familiares y sociales. El destino, incierto, los hará. Y el amor también hará lo suyo en contra de los obstáculos que imponen los dueños de la verdad.

Esa que no eres
De Mauro Molina, sobre textos de Alejandra Pizarnik, con Valeria Tercia y Lucia Urriaga. Domingos, a las 20.30, en La Otra Orilla, Urquiza 124 (4957-2471). Entradas: $ 20; jubilados y estudiantes: $ 15.
Sinopsis: En una habitación, una Mujer lucha con sus fantasías, sus deseos, miedos y negaciones; con su yo y sus otros yo. La Otra, sombra de ella misma, es el rostro de sus devenires - devenir madre castradora, hija, hombre, violador -, es su deseo, su infancia y su sexualidad reprimida: "Sé que vendrá a mí con su voz apenas coloreada por un acento que me hará abrir la puerta, puedo ver su sombra, esa sombra que se deja en la memoria "Una lucha constante de una mujer contra lo inevitable: regresar a uno mismo, a la verdad esencial de uno, el irremediable volver al centro".

Los últimos felices
Del grupo La Noche en Vela y Paco Giménez, con dirección de Paco Giménez y referencias literarias e históricas de Beatriz Sarlo. Elenco: Horacio Acosta, Carolina Adamovsky, José Luis Arias, Laura Battaglini, Mónica Dreidemie, Víctor Galestok, Adriana Garibaldi, Nani López (actriz reemplazante), Natalia Olabe, Alejandro Sánchez, Adrián Silver y Mariana Tognetti. Asistencia artística: Nani López. Diseño y realización de video: Mónica Dreidemie. Iluminación: Eli Sirlin. Escenografía y vestuario: Julio Suárez. Funciones: miércoles a domingos, a las 20.30, en el Teatro San Martín, Corrientes 1530. Localidades: $25. Miércoles: $15.
Sinopsis: Esta obra gira en torno a la euforia de los intelectuales argentinos de los años ‘20, que se auto-denominaron "los últimos felices". En ella se invoca a sus espíritus para preguntarles acerca de las razones de aquella "felicidad". Las respuestas están ligadas a los numerosos descubrimientos e innovaciones de esa época y a las grandes promesas de progreso frustradas por el golpe de Uriburu de 1930 y la decepción que trajo aparejada. A partir de una indagación inicial sobre Raúl González Tuñón, el proyecto se fue ampliando a la producción intelectual y artística de toda la década. Los actores crearon las diferentes escenas alrededor de la poética o la biografía de escritores, periodistas y pintores de los años ‘20, entre ellos Roberto Arlt, Alfonsina Storni, Xul Solar, Victoria Ocampo, Leopoldo Lugones y Macedonio Fernández. La evocación se completa con una incursión por el cine de aquellos "años locos".

¿Remedios contra el amor?
danza teatro con idea y dirección: Laura Sapriza Morán. Coreografía e intérpretes: Paula Budnik y Laura Sapriza Morán. Asistencia: Paz Sapriza. Música: Toña "La Negra", Lila Downs, Lola Beltrán, Chavela Vargas, Roberto Carlos y otros. Diseño de luces: Florencia Bengolea. Producción de Video: Santiago Cortabarria. Maquillaje y vestuario: Flavio Marasca. Viernes, a las 22, en Teatro del Sur, Venezuela 2255 (4941-1951). Entrada: $25. Descuento: $15. Duración aproximada: 40 minutos.
Sinopsis: Inspirada en el libro de Ovidio, Remedios contra el amor, escrito en el siglo 2 AC. Un texto poético que ofrece consejos y estrategias para evitar los daños y perjuicios que pueda causarnos el amor. ¿Cómo evitar los fracasos amorosos? ¿Cuáles son los remedios contra el amor? ¿En dónde se fabrican dichos remedios? ¿Es el amor una enfermedad que necesita curarse? ¿Cómo se cura? Relatos de un diario íntimo del desamor. Diversos personajes, cotidianos y ficticios. ¿Remedios contra el amor? nos alienta, a través de la danza y los boleros a seguir encontrándonos – desencontrándonos, enamorándonos – desenamorándonos

Pasionaria
Con dramaturgia y dirección de Lucía Möller. Actúan: Florencia Diszel y Aníbal Gulluni. Jueves, a las 22.00, en el teatro Vera-Vera, Vera 108 (4854-3655). Entrada: $ 15.
Sinopsis: Entre la alegría y la asfixia del sentimiento amoroso. Los estados que se proponen son sencillamente arbitrarios como el amor. La coexistencia de la extrema felicidad, sufrimiento o sensación de muerte inminente son los opuestos que dan vida a un espectáculo que propone transitar la ambigüedad del ser que persigue, trascendiéndose a sí mismo, a su objeto de deseo.

Rose
de Martin Sherman. Director: Agustín Arezzo, con Beatriz Spelzini Asistente de dirección: Gabriela Pastor. Músico: Diego Vainer. Escenografía y vestuario: Marta Albertinazzi. Puesta de luces: Omar Possemato. Producción ejecutiva: David Masajnik. Producción general: David Masajnik / Lino Patalano. Jueves a sábados, a las 20, y domingos, a las 18, en el Maipo Club, Esmeralda 443 (4322-4882). Localidades: $ 35 y $ 50.
Sinopsis: Esta obra escrita por Martin Sherman nos asoma a la existencia de una mujer judía que nació en una pequeña aldea de Ucrania a principios del siglo XX y termina sus días en Miami Beach dueña del hotel más famoso de esa zona, en este siglo XXI. Este salto mortal lo realizaremos a través de sus confesiones que abarcan los hechos más significativos de un siglo violento atravesado por la guerra y el dolor y logra hacerlo con humor, ironía y un intenso sentimiento de despojamiento en que la necesidad de sobrevivir, aún en las condiciones más extremas, se impone permanentemente. Varsovia antes de la guerra, el descubrimiento del amor, el nazismo, la posguerra, América y, finalmente Israel y el conflicto del Medio Oriente, aparecen iluminados a través de una mirada comprensiva, resuelta y comprometida.

Intimidades de la Sra Müller
De Susana Toscano e Ismael Martínez, dirigida por Susana Toscano con Fernanda Mistral y Alberto Ramallo. Diseño de escenografía y vestuario: Pepe Uria. Diseño de Iluminación: Felix Monti. Producción ejecutiva: Rosalía Celentano. Producción General: Marcelo Dorto. Estreno: viernes 11 de julio. Funciones: viernes, sábados y domingos, a las 19, en El Cubo, Zelaya 3053 (4963-2568). Localidades: viernes: desde $ 30; sábados y domingos: desde $ 40.
Sinopsis: La pieza plantea la infelicidad de una mujer europea en los años ’30 que presa de sus propias fantasías, intenta volverlas realidad. - Después de muchos años de casados, a veces, lo único que queda es el recuerdo del amor. Emotivo, profundo, irónico y sorprendente, el texto revela la esencia de la mujer y el universo de los matrimonios vencidos por la rutina.

El diario de Anna Frank
De Frances Goodrich y Albert Hackett, en adaptación de Wendy Kesselman, dirigida por Helena Tritek, con Vanesa González, Norberto Díaz, Emilia Mazer, Gustavo Rey, Susana Pampón, José María López, Dalia Elnecavé, Marcos Woinski, Corina Fonrouge y Estanislao Silveyra. Diseño de escenografía: Carlos Anselmo Di Pasquo. Diseño de luces: Omar Possemato. Diseño de vestuario: Seedy González Paz. Música original: Diego Schissi. Estreno: jueves 10 de julio. Funciones de miércoles a sábados, a las 21, y domingos, a las 19, en Teatro Regina, Av. Santa Fe 1235 (4812-5470). Entradas desde $ 50.
Sinopsis: Es la historia de una niña judía que relata en su diario personal la invasión nazi a Holanda. Cuenta como con otras siete personas -entre ellos sus padres y su hermana- se escondieron en los ambientes traseros de las grandes oficinas de una empresa, desde junio de 1942 hasta agosto de 1944.

Grabado
Adaptación de Tape, obra de Stephen Belber, con Fabián Vena, Guillermo Pfening y Carolina Tejeda, dirigida por Inés Estévez. Colaboración artística: Fabiana Falcón. Asistencia de dirección: Soledad Aguirre. Musicalización: Bobby Flores. Iluminación: Gonzalo Córdova. Vestuario: Mónica Toschi. Escenografía: Coca Oderigo. Estreno: miércoles 9 de julio. Funciones: miércoles, jueves y domingo, a las 20.30; viernes y sábados, a las 21.30, en Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131 (4864-3200). Localidades: $ 50.
Sinopsis: Dos amigos se reúnen después de años de no verse. Durante el reencuentro, entrarán en conflicto a la hora de evocar un confuso y secreto incidente del pasado que involucra a una mujer. Con suspenso, humor e ironía, Grabado examina cuestiones relativas a la ambigüedad de los recuerdos, a la subjetividad de nuestras percepciones y a la búsqueda de la verdad en un marco donde nada -ni nadie- es lo que parece.

MAGDALENA RECOMIENDA

Segundo cielo
De María Rosa Pfeiffer. Intérpretes: Stella Matute, Jorge Nolasco, Liliana Weimer, Pablo De Nito, Hugo Mouján. Diseño de escenografía y vestuario: Mariana Tirantte. Música original: Pedro Donnerstag. Diseño de luces: Javier Casielles. Diseño en comunicación visual: Juan Pablo Rodríguez. Operador técnico: Carolina Stegmayer. Asistente de dirección: Romina Oslé. Dirección: Manuel Vicente. En el Teatro del Pueblo, Av. Roque Sáenz Peña 943. Funciones: sábados a las 21. Duración: 70 minutos.
Sinopsis: Elsa, una destacada actriz, se encuentra con un viejo compañero de estudios, hoy abogado. Han pasado muchos años y la relación entre ellos parecía perdida, pero el reencuentro los redescubre. En casa de él, Erdosain, Elsa no sólo recuperará parte de una historia pasada, sino que también reconocerá en su cuerpo cierta atracción por los fantasmas del mundo teatral. El texto de María Rosa Pfeiffer expone un interesante juego dramático en el que la estructura de su pieza, el diseño de los personajes y la recuperación de valores muy intrínsecos al mundo de Roberto Arlt se presentan en un buen equilibrio. El espectador todo el tiempo movilizará su atención entre una realidad y una ficción de límites a veces imperceptibles y esto hace mucho más inquietante el mundo planteado por la autora.

Lote 77
Intérpretes: Andrés D Adamo, Lautaro Delgado, Rodrigo González Garillo. Diseño de escenografía: Marcelo Minino. Diseño de iluminación: Eli Sirlin. Diseño de vestuario: Carolina Mas. Asistente de dirección: Silvia Oleksikiw. Dramaturgia y dirección: Marcelo Minino. En el Teatro del Abasto, Humahuaca 3549. Funciones: los jueves, a las 21. Duración: 60 minutos.
Sinopsis: En la escena, tres muchachos desarrollan diferentes acciones en lo que, en primera instancia, es un espacio cercado donde el ganado es encerrado antes de ser vendido. Los lotes son tres y, si en un comienzo ellos están vacíos, poco a poco van a ir llenándose de historias que los completarán, siempre y cuando la imaginación del espectador haga su aporte. Los tres hombres, como los animales, pueden llegar a ser vendidos, pero antes necesitan hablar de ellos. Una y otra vez atravesarán el tiempo. Irán hacia el pasado para encontrarse juntos, definiéndose en la adolescencia, y vendrán al presente para verse realizados. Con cuestionamientos encima, con frustraciones, pero realizados: son hombres.

Espectáculo de danza contemporánea
de la compañía Pies desnudos
Intérpretes: Eugenia Stanovnik, Valeria Celurso, Soledad Buss, Elisin Boursé y Daiana Ferreira, Soledad Galoto, Ignacio González Cano. Vestuario: Laura Torrecillas. Diseño de luces: Juan García Dorato. Dirección: Laura Roatta. Programa. Suben. Coreografía: Soledad Galoto. Música: Juan Bernabé, Giovanni Sollimo y Gyorgy Ligeti. Diseño sonoro: Juan Bernabé. Hacia el abrazo. Coreografía: David Señoran. Intérpretes: D. Señoran y S. Galoto. Música: Vivaldi. Diseño audiovisual: Carolina González Mama. Terra y sal. Coreografía: L. Roatta. Música: Dulce Ponte. Textos: Fernando Pessoa. Voz en off: Claudio Alves y V. Celurso. Diseño sonoro: Daniel Goglino, Sergio Morales. En El Cubo, Zelaya 3053. Sábados, a las 18.30. Duración: una hora.
Sinopsis: Suben es una puesta netamente femenina creada por una de las integrantes del elenco. En calidad de coreógrafa, Soledad Galoto diseñó una pieza en la que predomina el trabajo de suelo. Desde los tocados y el vestuario hasta las imágenes que en singular relación con la luz componen los cuerpos de estas cuatro mujeres (rastreros, rodantes e introspectivos, primero; más dinámicos y en cuadros que los relacionan, después), Suben se destaca por su cuidada estética. El dúo Hacia el abrazo pone en escena y en pantalla una misma relación de pareja que interpretan el propio coreógrafo, David Señoran, y Galoto, ahora como bailarina. Ellos, completamente de negro, buscarán estrecharse. La secuencia de movimiento en video a veces acompaña la acción que se desarrolla en vivo, pero otras la anticipa o la retarda. Ese desacuerdo temporal en la narración y una tercera instancia, la de las sombras, hacen que el espectador siga (persiga) cada pisada del baile que derivará en encuentro.
La primera impresión que dan las bailarinas de Pies desnudos (descalzos, claro) cuando se encienden las luces de Terra y sal es, otra vez, de belleza y buen gusto. La transparencia de sus vestidos otorga un carácter etéreo a las mujeres, que en solos, dúos y tríos discurren por la nueva coreografía de Roatta. Definitivamente, la música de la fadista Dulce Pontes, sus despliegues vocales, los recitados, las palabras de otro portugués, Fernando Pessoa, contribuyen al encanto de esta pieza.

Andantes rodantes
De la Compañía Sobran los Medios. Idea original: Natalia Gorini. Libro: N. Gorini y Javier Zain. Dirección: J. Zain. Intérpretes: N. Gorini y Nicolás Villamil. Música y letras de canciones: N. Villamil. Escenografía: Compañía Sobran los Medios. Realización de escenografía: Gonzalo Arbutti y N. Villamil. Vestuario: Florencia Pinochi. Iluminación: J. Zain. Asistente: Rosina Calabria. Centro Cultural Borges, Viamonte y San Martín. Sábados y domingos, a las 17. Duración: 55 minutos.
Sinopsis: Con un tono quieto, sereno, desbordante de poesía y, a la vez, sumamente divertido, la Compañía Sobran los Medios logra plasmar en el escenario una historia que termina siendo de amistad y de amor entre dos seres solos que descubren que nada podrá ir mal si están juntos, si pueden comunicarse. Son artistas; uno suena; la otra canta, y se encuentran por casualidad en medio de un páramo en el que esperan la llegada de sus espectadores para comenzar sus respectivas funciones. La espera es enorme, abrumadora, pero a ellos los ayuda a encontrarse, a mirarse, a prestarse atención y, finalmente, a comunicarse; primer paso para luego pergeñar mil formas de convocar a ese público esquivo. Así es como en ese encuentro, a medida que se miden, que compiten con cierta inocencia, van dejando al descubierto sus mundos internos y sonoros que son un dechado de preciosos detalles que hablan del amor a lo que hacen (los personajes por su música, los actores que los interpretan por el teatro).

TEATRÍSIMO

Ciclo de teatro semimontado

100 años de teatro argentino (1908-2008), en el Teatro Maipo
del 7 de julio al 25 de agosto, todos los lunes, a las 20, entrada a beneficio de la Casa del Teatro. Localidades: Platea $20. Abono a las 8 funciones: $140. Súper Pullman: $15. Abono a las 8 funciones: $100. Pullman: $10. Abono a las 8 funciones: $60. En venta en el teatro Maipo. Todos los días de 10 a 20.
Luego de la función habrá un debate abierto con los protagonistas


Lunes 7 de julio
Las de Barranco, de Gregorio de Laferrère
Estrenada el 24 de abril de 1908 en el teatro Moderno con la actuación de Orfilia Rico, María Gómez, Alejandra Cortinas, Angela Argüelles, y Elías Alippi, en los roles principales. Las comedias de Laferrère se caracterizan por ser una ácida crítica de las costumbres porteñas de principio de siglo y, sobre todo, una crítica de las modas que abre la modernidad en Buenos Aires. Las de Barranco es la obra más perdurable y representada de este autor, y constituye un retrato tragicómico de la decadencia de una familia de la baja clase media porteña.
Elenco: Claudia Lapacó, Eleonora Wexler, Malena Solda, Victoria Almeida, Mirta Wons, Miguel Habud, Eduardo Solá, Marcos Montes, Toti Ciliberto, Esteban Prol, Benjamín Amadeo, Darío Bonheur y Ramiro Saludas.
Vestuario cedido gentilmente por el Teatro Nacional Cervantes, por intermedio de Alberto Bellatti.

Lunes 14 de julio
El campo, de Griselda Gambaro
Fue estrenada el 11 de octubre de 1968 en el teatro de la Sociedad Hebraica Argentina, con Ulises Dumont, Lautaro Murúa e Inda Ledesma en los roles principales, dirigidos por Carlos Augusto Fernandes. En agosto de 1984, Alberto Ure dirige una nueva puesta en el teatro Nacional Cervantes.
Elenco: Alejandro Paker, Malena solda, Esteban Meloni y elenco.

Lunes 21 de julio
Fuera de cuadro, de Javier Daulte
Estrenada el 16 de marzo de 2001, en el teatro Callejón, dirigida por Javier Daulte y Gabriela Izcovich.
Elenco: Mireia Gubianas, Martín Seefeld, Florencia Raggi, Eleonora Wexler, Eduardo Solá

Lunes 28 de julio
Ya nadie recuerda a Frederic Chopin, de Roberto Cossa.
Estrenada en abril de 1982 en el teatro Planeta, dirigida por Rubens Correa, con un elenco encabezado por Márgara Alonso, Lucrecia Capello y Manuel Callau, entre otros.
Elenco: Lidia Catalano, Lucrecia Capello y elenco

Lunes 4 de agosto
Marathon, de Ricardo Monti
Estrenada el 13 de junio de 1980 por el equipo Teatro Payró en la sala principal de los Teatros de San Telmo, con un elenco encabezado por Arturo Maly, Lidia Catalano y Rita Cortese, entre otros.
Elenco: Hernán Piquín, Lidia Catalano y elenco

Lunes 11 de agosto
Aeroplanos, de Carlos Gorostiza
Estrenada en el año 1990, es un recorrido en la amistad de dos hombres que están en el ocaso de sus vidas.
Elenco: José Sacristán y Enrique Pinti.

Lunes 18 de agosto
Así es la vida, de Malfatti y De las Llanderas (1934)

Lunes 25 de agosto
Tres plumas (estreno argentino) 2008, de Claudia Piñeiro
Un hombre regresa a su casa natal, en la provincia, por motivos laborales. Esto sirve de pretexto para que el protagonista de la historia recorra su vida pasada junto a su hermano menor y sus padres.
Elenco: Claudia Lapacó, Pablo Echarri o Gastón Pauls (a confirmar), Juan Manuel Tenuta y Marcos Montes

TEATRO EN LETRAS

VI Feria del Libro Teatral
El viernes 11 de julio, a las 18.30, en el Teatro Nacional Cervantes, Libertad 815, en el marco de la VI Feria del Libro Teatral se presentarán los libros Antología de Obras de Teatro Argentino Tomos II y III, Independencia y Confederación, cuya selección y prólogo están a cargo de la investigadora Beatriz Seibel.
Además, un tomo Del teatro de humor al grotesco, de Carlos Pais, y tres publicaciones realizadas con Argentores: Una libra de carne, de Agustín Cuzzani, El gran deschave, de Sergio De Cecco y Armando Chulak, y La valija, de Julio Mauricio.
Leerán escenas correspondientes a piezas que integran la Antología de obras de teatro argentino, los actores Pepe Soriano y Claudio Gallardou.

Ansia * 4.48 Psicosis, de Sarah Kane.
Editorial Losada, colección Gran Teatro (160 pp), $ 39.-
Sarah Kane (1971-1999). Estudió arte dramático en la Universidad de Bristol. Posteriormente hizo un Master en la Universidad de Birmingham. Sarah Kane sufrió una profunda depresión por lo que fue internada en el hospital. Atentó contra su vida usando barbitúricos y pocos dίas después el 20 de febrero de 1999 en el hospital donde estaba siendo tratada acabó con su vida ahorcándose.
Psicosis 4.48
Una obra desgarradora, incisiva. En donde la autora se interroga acerca de lo que significa suicidarse, cuál es la finalidad de este acto, cuánto dolor, angustia y locura puede soportar un ser humano antes de decidirse al autoexterminio.
El título de la obra, no es aleatorio, posee un significado que no se puede pasar por alto, y es que las 4.48 es la hora en que la gente suele terminar con su vida. Según estudios realizados en Gran Bretaña, es aproximadamente a las 4.48 de la madrugada cuando se va el efecto de los psicofármacos ingeridos la noche anterior, y comienza la angustia.
El Ansia
Lo que parece ser el despliegue de un monólogo interior, el fluir de una conciencia abrumada por la angustia, la soledad y el vacío, se va disolviendo en una pluralidad de voces, como si esa única conciencia se astillara al estrellarse ante la imposibilidad de encontrar sentidos unívocos o fuese asaltada por ecos ajenos, colocando lo dicho más allá de la nociones de individuo o de género, de coordenadas espaciales o temporales, o de una causalidad psicologista.

La germania, de Patricia Suárez,
Editorial Losada, Colección Nuevo Teatro. $ 32
Obras que componen este tomo: Vlahala. Rudolf. Edgardo Practica, Cósima hace magia. El tapadito. La caseta. El sueño de Cecilia. Ana Frank en el infierno.
"La Germania es la puesta en texto de diferentes matices de un único horror: el exterminio del pueblo judío en la Segunda Guerra Mundial. La constituyen siete obras, situadas en el tiempo posterior a la liberación, creadas desde distintos abordajes temáticos y diversos puntos de vista. Suárez escribe desde la mirada del sobreviviente (Rudolf, El tapadito, El sueño de Cecilia), desde el que murió en el campo (Ana Frank en el infierno), o desde el victimario (Edgardo practica, Cósima hace magia; Valhala y La caseta). Los mundos de estas obras se ajustan al intento de narrar lo inenarrable. Son tanteos , percepciones, a partir de la decisión de volver a construir una memoria de la historia, otra forma de la tarea de testimoniar pero desde la ficción. Siete modos de la voluntad de interrogar los acontecimientos. Apoyada sobre un documento, Suárez expresa el mundo imaginario, dibuja sentimientos y conductas que señalan y contienen, desde su singularidad, la universalidad de lo específicamente humano". (texto de Marta H. López)

ALGO PARA COMPARTIR

Reclamo judicial
Leónidas Barletta, demandado
La noticia causó más de una sonrisa entre los teatristas independientes
Una cédula de notificación del Fuero Contencioso Administrativo y Tributario del Poder Judicial de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires ha provocado más de una sonrisa entre los teatristas independientes porteños. Es que el organismo reclama el pago de una deuda al mismísimo Leónidas Barletta y al Teatro de la Campana (teatro independiente). Si tenemos en cuenta que Barletta murió el 15 marzo de 1975 y la sala propiamente dicha cerró sus puertas en 1994, parecería que algo no está bien en el orden burocrático de ese juzgado.
La historia teatral tiene algunos ejemplos que llegan un poco desordenados a la cabeza de este cronista, pero que dan cuenta de cuestiones similares. El teatrista Augusto Boal suele contar una anécdota de cuando hacía teatro en Brasil, en tiempos de la dictadura. Con su grupo montó Antígona, que causó cierto revuelo. Un juez instó a levantar la representación y convocó ante su presencia al mismísimo autor: Sófocles. A mediados de la década del 90, en Rafaela, Santa Fe, el elenco Punto T presentaba Lisístrata, de Aristófanes, y ante una demanda presentada por espectadores que se sintieron afectados por la representación, también allí un juez intimó al elenco y pidió que compareciera ante él Arístófanes.
Ahora es otro clásico, contemporáneo, claro, quien es demandado: Leónidas Barletta, el propulsor del teatro independiente en la Argentina.
La paradoja
Uno de los hombres que más lucharon quizá por defender las banderas del independentismo, el mismo esquema de producción que al gobierno de la ciudad de Buenos Aires le cuesta sostener. Porque en un momento en que un decreto de necesidad y urgencia del mismo gobierno permite a las salas funcionar con normalidad, asoma una paradoja. Desde el área de habilitaciones del mismo gobierno, los espacios son acosados por inspectores que labran actas por presuntas deficiencias y hay, en este momento, cerca de 20 salas afectadas, con demandas que resultan muy difíciles de cumplir.
Pero parece que para que el conflicto termine se hace necesario juzgar a la misma historia: a Leónidas Barletta. ¡Qué difícil será el caso! ¡Y cuánto más si se tiene en cuenta que el Teatro de la Campana fue comprado por el Instituto Movilizador de Fondos Cooperativos en 1995, que cedió en comodato a la Fundación Somigliana el espacio para que se encargara de programarlo teatralmente! Desde entonces, el lugar lleva el nombre de Teatro del Pueblo.
Algunos creen que, en verdad, el espíritu de Barletta bajó a la Tierra para seguir dando pelea. Habrá que ver qué sucede. Los memoriosos cuentan que el creador, antes de las funciones, salía a la vereda y hacía sonar una campana. Era su manera de convocar al público. Tal vez los teatristas independientes estén pensando en organizar un 'campanazo' para alertar al gobierno local sobre cierto desorden burocrático en sus organismos. Y, sobre todo, cierta falta de registro cultural histórico.
Carlos Pacheco (La Nación del 22.6.2008)

Feliz 2020